Von Boyz n the Hood bis Malcolm X: Das Vermächtnis des New Black Cinema

1992 war ein Spitzenjahr für das New Black Cinema, eine (größtenteils) unabhängige Filmbewegung, die sich von Ende der 1980er bis Mitte der 1990er Jahre erstreckte und die Art und Weise revolutionierte, wie Afroamerikaner auf der Leinwand dargestellt wurden. Wichtige Filme der Bewegung wie „ Malcolm X “, „Mo Money“ , „ Juice “, „ Deep Cover “, „ Mississippi Masala “, „ Daughters of the Dust “, „ One False Move “ und „ South Central “ kamen alle 1992 heraus.

Filme des New Black Cinema, darunter Boyz n the Hood und Menace II Society , zeichneten oft ein düsteres Bild des Lebens der Schwarzen in den USA während einer Ära der Krise für Afroamerikaner, die mit den gescheiterten Versprechen der Bürgerrechtsbewegung konfrontiert waren und die Innenstadt verschlechterten Bedingungen, feindselige Medien, die mit schädlichen Stereotypen handelten , eine Crack-Kokain-Epidemie und ein politisches Klima, das darauf bestand, dass sich alle Amerikaner an ihren Stiefeln hochziehen, unabhängig davon, wie ungleich ihr sozioökonomischer Status ist. Aber die Filme waren nicht nur Untergangsstimmung. Diese Filme feierten auch die Liebe und Freude der Afroamerikaner und führten das weiße Publikum in die kulturelle Vielfalt von Blackness ein, die oft eindimensional dargestellt wurde. Wir feiern den 30. Jahrestag dieses roten Jahres für das schwarze Kino und untersuchen sein Vermächtnis in der Geschichte der Afroamerikaner im Film.

Schwarzer Film der frühen und klassischen Ära

Afroamerikaner haben lange gegen die Praktiken der Hollywood-Studios gekämpft, ihre eigenen Geschichten zu artikulieren und mehr Kontrolle über ihre Repräsentation auszuüben. Bereits 1910 drehten schwarze Filmemacher Independent-Filme wie The Realization of a Negro’s Ambition (1916) und The Trooper of Company K (1916) als Alternative zu den rassistischen Komödien weißer Produzenten wie Thomas Edisons Ten Pickaninnies (1904) und Sigmund Lubins „Sambo and Rastus“-Serie (1909-1911), die erniedrigende Stereotypen über Schwarze enthielt.

Oscar Micheaux, ein bekannter schwarzer Romanautor, drehte den ersten abendfüllenden Film, in dem afroamerikanische Schauspieler (im Gegensatz zu weißen Schwarzgesichtern) in einer Geschichte über Afroamerikaner eingesetzt wurden, The Homesteader (1919), und ihm folgten viele andere, darunter Within Our Gates und The Brute (beide 1920). Leider beendeten die Depression und andere Faktoren trotz Micheaux' anfänglichem Erfolg (und seines mittlerweile legendären Status) die Ära des schwarzen Independent-Films und die meiste Kontrolle der Schwarzen über die Repräsentation.

Der zunehmende Liberalismus veranlasste Hollywood Ende der 1940er Jahre dazu, „soziale Problemfilme“ zu produzieren, die unter anderem die soziale Ungleichheit der amerikanischen Rassenbeziehungen untersuchten. Filme wie Stanley Kramers Home of the Brave, Alfred Werkers Lost Boundaries und Elia Kazans Pinky behandelten Themen wie rassistische Weitergabe und rassistischen Selbsthass und waren sowohl bei Kritikern als auch beim Publikum große Erfolge. Nach den Wunscherfüllungsfantasien der klassischen Hollywood-Ära, die die Amerikaner durch die Depression getragen haben, zeigte die amerikanische Öffentlichkeit jetzt eindeutig Appetit auf Filme, die sich ernsthaft mit realen Themen auseinandersetzen.

Dieser Trend realistischer Dramen führte zum Auftauchen von Sidney Poitier – dem ersten Star, dessen Popularität auf das weiße Publikum überging – in so populären Filmen wie Edge of the City (1957) und The Defiant Ones (1958), für die er der erste wurde Afroamerikanischer Schauspieler für den Oscar als bester Hauptdarsteller nominiert . Poitiers Charaktere waren Abweichungen von typischen schwarzen Rollen, da seine Charaktere kompetent, würdevoll, intelligent und artikuliert waren. Wie andere schwarze Schauspieler dieser Zeit neigte Poitier jedoch dazu, asexuelle Charaktere zu spielen, und er wurde oft dabei gezeigt, wie er weiße Charaktere rettete oder nach den Regeln der weißen Gesellschaft spielte.

Die schwarze Repräsentation entwickelt sich dann weiter – von den 1960er bis zu den 1980er Jahren

Afroamerikanische Kinobesucher hatten gemischte Gefühle gegenüber Poitier. Viele waren froh, dass ein schwarzer Schauspieler in Hollywood Macht und Bekanntheit erlangt hatte, aber wie Ed Guerrero schreibt : „Poitiers Image des ‚Ebenholzheiligen' wurde für Afroamerikaner immer dünner. Es sprach nicht mit den Bestrebungen oder der Wut des neuen schwarzen sozialen Bewusstseins, das sich herausbildete.“

Als solches begann das schwarze Publikum, nach neuen Filmen von schwarzen Regisseuren zu suchen, wie Gordon Parks' The Learning Tree (1969), Ossie Davis' Cotton Comes to Harlem und Melvin Van Peebles' Watermelon Man (beide 1970) und Sweet Sweetbacks Baadasssss Lied (1971). Da Hollywood in katastrophalen wirtschaftlichen Bedingungen steckte und verzweifelt nach Erfolgsfilmen suchte, die ein jüngeres Publikum erreichen würden, das von den sozialen Veränderungen der 60er Jahre bewegt wurde, erlangten schwarze Filmemacher einige Jahre lang geringfügig mehr Macht und Bekanntheit in der Filmindustrie.

Aber es waren Genre-Konventionen, nicht soziale Ideen, die Hollywood in den neuen „Blaxploitation“-Filmen recycelte, in denen schwarze Schauspieler in Action-Abenteuergeschichten auftraten, die hauptsächlich in armen Stadtgebieten spielen. Blaxploitation-Filme wie Shaft (1971), Superfly (1972) , Cleopatra Jones (1973) , Foxy Brown (1974) und Blacula (1972) zeigten wütende, urbane, stark sexualisierte schwarze Protagonisten, die sich an dem beteiligten, was Mark Reid die „symbolische Zerstörung von weiße Institutionen, die früher den Helden unterdrückten.“

Erneut vom Kassenerfolg errötet, auch dank der hochprofitablen Blaxploitation-Filme, kehrte Hollywood zu seinen historischen, stereotypen Darstellungsweisen zurück. In den nächsten fünfzehn Jahren traten Afroamerikaner hauptsächlich in Komödien und gemischtrassigen „Buddy-Filmen“ wie Stir Crazy (1980), 48 Hours (1982), Trading Places (1983), Burglar und Lethal Weapon (beide 1987) auf. Diese hochkarätigen Filme ließen den Anschein erwecken, als seien Afroamerikaner in Hollywood gut vertreten, obwohl die Vertretung in Wirklichkeit geringer war als in den frühen 70er Jahren.

Das New Black Cinema beginnt

Spike Lee wird oft zugeschrieben, dass er 1986 mit seinem unabhängigen Spielfilm She's Gotta Have It das New Black Cinema ins Leben gerufen hat. Wie Van Peebles bei Sweet Sweetbacks Baadasssss Song , war Lee bewegt, She’s Gotta Have it zu machen, um Afroamerikaner im Film zu vermenschlichen und erkennbare schwarze Themen zu reflektieren, die nicht „auf Komödien und Hip-Hop, Drogen, Gangsta, Shoot 'em up beschränkt sind Filme.“ Nach She's Gotta Have it beschäftigte sich Lee (der bekanntermaßen Film an der NYU studierte) in seinem nächsten Spielfilm School Daze (1988) mit Themen der afroamerikanischen Mittelklasse in einem College-Setting.

Der nächste Film von School Daze und Lee, der bahnbrechende Do the Right Thing (1989), lief ebenfalls gut an den Kinokassen, ebenso wie einige andere Bilder, die zur gleichen Zeit von schwarzen Regisseuren gemacht wurden, darunter Robert Townsends Hollywood Shuffle (1987), Keenen Ivory Wayans' I'm Gonna Git You, Sucka (1988) und Eddie Murphys Harlem Nights (1989). Nach ihrem Erfolg gab es 1990 eine Zunahme von Filmen mit schwarzen Themen sowie sieben Filme von schwarzen Regisseuren, darunter Lees Mo' Better Blues , Charles Burnetts To Sleep with Anger und Julie Dashs Daughters in the Dust . 1991 produzierte 15 Filme unter der Regie von Afroamerikanern und 20 weitere, in denen schwarze Schauspieler die Hauptrolle spielten oder wichtige Rollen spielten, darunter Bill Dukes A Rage in Harlem , Townsends The Five Heartbeats und John Singletons Boyz n the Hood. Allein die Produktion in den Jahren 1990 und 1991 übertraf bei weitem die Gesamtproduktion aller seit Blaxploitation veröffentlichten Filme mit dem Fokus auf Schwarze.

Die neuen Filme mit schwarzen Themen der 90er Jahre diversifizierten auch die afroamerikanische Repräsentation, indem sie in mehreren Genres vertreten waren. Dazu gehörten der Jugendfilm House Party (1990), die Romanzen Mississippi Masala (1991) und Boomerang (1992) sowie Lees Epos Malcolm X (1992). Trotz dieser Vielfalt waren die sichtbarsten Filme des plötzlichen Anstiegs – sowohl in Bezug auf die Berichterstattung in den Medien als auch in der Regel auch an den Kinokassen – das, was Paula Massood als „Hood-Filme“ bezeichnete. Hood-Filme beschrieben das schwierige Erwachsenwerden eines jungen schwarzen männlichen Protagonisten in einer wirtschaftlich depressiven, sozial begrenzten, oft gewalttätigen Innenstadtumgebung, oder „Hood“ (wie bei der parallelen Renaissance des Indie-Films in den 90er Jahren, nur wenige davon Männerfilme handelten von Frauen). Sie wurden auch, wie ihre Gegenstücke mit urbanem Thema in den 70er Jahren, aus einer Wirtschaftskrise in Hollywood und Studioentscheidungen geboren, kostengünstige Filme für ein Nischenpublikum zu produzieren, in der Hoffnung, schnelle Gewinne zu erzielen.

Das New Black Cinema entstand aus spezifischen wirtschaftlichen und sozialen Bedingungen, die Afroamerikaner in den verfallenden städtischen Zentren des Landes ertragen mussten. Sie stellten dar, was ihre Autoren und Regisseure für die schwierigen Realitäten im schwarzen Amerika hielten. Ab Mitte der 1980er Jahre trug der Aufstieg billiger Waffen und Crack-Kokain zu einer Zunahme der Gewalt in den Innenstädten des Landes bei. Filmemacher des New Black Cinema haben diese erschütternde Situation dargestellt, darunter Singleton in Boyz in the Hood ; Bill Duke in Deep Cover (1992); Mario Van Peebles in New Jack City (1991); Lee in Jungle Fever (1991) und Clockers (1995) ; Ernest Dickerson in Saft (1992); die Hughes Brothers in Menace to Society (1993); und Matty Rich in Direkt aus Brooklyn (1991).

Boyz n the Hood war ein Wendepunkt

Der bekannteste und erfolgreichste Hood-Film war Boyz in the Hood . Boyz in the Hood wurde im Sommer 1991 veröffentlicht und unter der Regie des 23-jährigen Absolventen der USC-Filmschule, Singleton Armenviertel in South Central Los Angeles und kämpfen mit Ausgrenzung, Bandengewalt und Rassismus. Obwohl einige Aussteller erwogen , den Film zurückzuziehen, als bei seiner Premiere in mehreren Kinos Gewalt und Schießereien ausbrachen, stand Columbia Pictures hinter Boyz in the Hood und es wurde ein enormer finanzieller Erfolg , der 57 Millionen Dollar an den heimischen Kinokassen bei einem Budget von rund 7 Dollar einspielte Million.

Viele der führenden Filmkritiker des Landes lobten den Film und Singleton wurde der erste schwarze Regisseur (sowie der jüngste Regisseur aller Zeiten), der für einen Oscar als bester Regisseur nominiert wurde. Singleton nutzte seinen neu gewonnenen Status, um verschiedene Arten von schwarzen Geschichten zu drehen, darunter das romantische Drama Poetic Justice (1993) mit Tupac Shakur und Janet Jackson und das an der Universität angesiedelte Higher Learning (1995). Leider starb Singleton 2019 im Alter von 51 Jahren und beraubte uns sicherlich mehr seiner dringenden und nachdenklichen Arbeit.

Boyz in the Hood war eine Vorlage für weitere Filme des Hood-Genres, die folgten. Sein finanzieller Erfolg veranlasste Hollywood nicht nur, Filme in ähnlicher Weise zu drehen, sondern seine Tropen fanden ihren Weg in die meisten der folgenden ähnlichen Filme. Das Genre wurde so sichtbar und seine Merkmale so schnell erkennbar, dass 1996 eine Parodie, Don't Be a Menace to South Central While Drinking Your Juice in the Hood , veröffentlicht wurde.

Ein weiterer wichtiger Film des Genres, der zwei Sommer nach Boyz veröffentlicht wurde, war The Hughes Brothers' Menace II Society . Allen und Albert Hughes, zwei Wunderkind-Musikvideoregisseure, entschieden, dass Singletons Film von „Hollywood-Sentimentalität“ getrübt wurde und dass er nicht die „wirkliche“ Situation der Hood widerspiegelte. Sie machten sich daran, eine Art „ Pseudodokumentation “ zu machen, die die Situation der Schwarzen Jugend in der Innenstadt genauer darstellen sollte. Die Menace II Society wurde für ihre unerschütterliche „Realität“ sowie für ihre technische Brillanz gelobt und half, die Bewegung für einige weitere Jahre aufrechtzuerhalten.

Ein bleibendes Vermächtnis

Als Afroamerikaner nach Blaxploitation wieder von den Bildschirmen verschwanden, kehrte auch Hollywood nach 1995 zur weißen Exklusivität zurück, sowohl vor als auch hinter der Kamera. Wirklich nur zwei afroamerikanische Stars – Will Smith und Wesley Snipes – tauchten in Filmen der zweiten auf die Hälfte des Jahrzehnts und diese beiden erschienen in typischen Genrebildern wie Men in Black , Enemy of the State , Money Train und US Marshals , nicht in den schwarzen Geschichten von afroamerikanischen Regisseuren, die die Bewegung charakterisierten.

Hat sich die Darstellung der afroamerikanischen Medien in den letzten Jahren verbessert? Ja – laut den Hollywood Diversity Reports 2021 der UCLA hat sich die Besetzungsvielfalt insgesamt verbessert. Afroamerikanische Geschichten finden sowohl im Fernsehen als auch in Filmen eine größere Bedeutung. Hinter der Kamera ist Vielfalt immer noch ein Kampf. Aber welche Fortschritte gemacht wurden, hat viel dem New Black Cinema zu verdanken.

Obwohl die Geschichte nie direkte Ursache und Wirkung offenbart, haben die starken, leidenschaftlichen Geschichten und engagierten Filmemacher sicherlich den Weg für die Fülle von Filmen und Shows mit schwarzen Themen des letzten Jahrzehnts geebnet, darunter Atlanta , Insecure , The Underground Railroad , Moonlight , The Hate You Give , Get Out , Judas and the Black Messiah , Blackkklansman und viele andere. Entscheidend ist, dass schwarze Filmemacher auch begonnen haben, mehr von ihren eigenen Geschichten zu erzählen, die in der Vergangenheit von weißen Regisseuren erzählt wurden. Vielleicht sind wir mitten in einer anderen Bewegung, die wir in 30 Jahren feiern werden. Wenn dem so ist, wird es in den dazwischenliegenden Jahren hoffentlich keine weitere Periode der Regression geben, und der Fortschritt – der mit solchen Schwierigkeiten erzielt wurde – wird anhalten.