Sie haben die besten Filme des Jahres 2024 wahrscheinlich noch nicht gesehen. Hier erfahren Sie, warum Sie es jetzt tun müssen

Lassen Sie uns kein Blatt vor den Mund nehmen: 2024 war ein miserables Jahr für Amerika, für die Welt und für die Menschheit insgesamt. Kein Wunder, dass sich Kinogänger in großer Zahl zu vertrauten Freuden zurückzogen; Sogar „Wicked“ , die einzige Nicht-Fortsetzung, die in den letzten 12 Monaten für Furore an den Kinokassen sorgte, ist eine Art aufgewärmtes Wohlfühlessen. Wenn es kein reiner Franchise-Eskapismus wäre und wenn es nicht eine gute Zeit für ihr hart verdientes Geld versprechen würde, könnten sich die meisten Leute nicht darum kümmern. Und so schien die Überschneidung von Filmen für sogenannte Cinephiles und Filmen für die sogenannte Masse zu schrumpfen und uns einer Zukunft näher zu bringen, in der das Venn-Diagramm nur aus zwei Kreisen besteht, die sich nicht berühren.

Aber dann war da nochAnora . Wilde, urkomische, erschütternd traurige Anora . Keine wahrgenommene Binärdatei, die die Filmkultur in „Kunst“ und „Unterhaltung“ aufteilt, könnte Sean Bakers verrückte Tragikomödie über eine erotische Tänzerin aus Brighton Beach erklären, die wider ihr bestes Urteil in eine turbulente Romanze mit dem Playboy-Sohn eines russischen Oligarchen gerät. Anora ist eine tolle Zeit, aber es ist kein Eskapismus. Der Film handelt eher vom Fluchtwahn und von der verzweifelten Realität eines Amerikas, in dem alles transaktional ist. In einem Jahr, in dem die Leute die Filme wie eine dringend benötigte Ablenkung betrachteten, blickte Anora genau auf die Ungleichheiten des Hier und Jetzt, auch wenn es größere Vergnügungshits bot als jeder Blockbuster.

Selten fühlt sich ein Film mit so viel freudiger Energie so stark mit der harten, herzzerreißenden Wahrheit seiner Zeit verbunden an. Das ist so etwas wie eine Baker-Spezialität. Der Autor und Regisseur belastet stets sein soziales Gewissen durch seine koboldhafte Wertschätzung für Räuber und Agenten des Chaos. Die meisten seiner Filme, wie „Tangerine“ und „Red Rocket“ und das großartige „ The Florida Project“ , werfen ein einfühlsames Licht auf die Sorgen und Nöte von Sexarbeiterinnen. Aber es handelt sich nie um miserable Plackereien oder feierliche Oden an den Adel der weniger Glücklichen. Sie wagen es, skandalös lustig zu sein. Und sie weigern sich, ihre Charaktere wie Pappheilige zu behandeln, frei von Fehlern oder Macken.

Das gilt auch für Ani, die freche Stripperin Mikey Madison, die in „Anora“ spielt . Eine Kritik, die an dem Film geübt wird, ist, dass er dem Leben oder dem Innenleben seiner Heldin nicht genügend Aufmerksamkeit schenkt. Aber dies ist ein Film über jemanden, der sein wahres Selbst aufs Schärfste beschützt. Madison schält in einer aufschlussreichen Darbietung, die in dieser Preisverleihungssaison verdientermaßen aufgeräumt hat, immer wieder Schichten ihrer Protagonistin zurück: Wir sehen den Traum-Sexpot, den sie für ihre Kunden herstellt, dann die mädchenhafte Romantik, die sich darunter verbirgt, und dann die verängstigte, aber trotzige Kämpferin darunter , bis zu einer winterlichen Auflösung, bei der wir vielleicht endlich – wie der Mann im Auto mit ihr – die echte Ani sehen. Natürlich ist sie nie nur eine Sache. Weder ist der Film.

Die Struktur von Anora ist kühn und inspiriert zu einer Art aufregendem Schleudertrauma. Baker fesselt uns für eine Weile mitten in die glamouröse Achterbahnfahrt von Anis nicht jugendfreier „ Pretty Woman“ -Liebesaffäre mit dem ausgelassenen Mann-Kind Vanya (Mark Eydelshteyn) – eine verkokte Aschenputtel-Geschichte für Erwachsene, die in einem euphorischen, verschwommenen Montagezusammenhang vergeht. Dann sind die Flitterwochen vorbei und der Film verlangsamt sich zu einem fast in Echtzeit stattfindenden Kriechen des Unglücks, das jedoch nicht an Unwiderstehlichkeit verliert. Stattdessen versetzt Baker Anora in eine weitere seiner wirbelnden Stresskomödien und stellt eine Truppe amüsant aufgesetzter Idioten vor, die – wie unsere Heldin – alle in die Wirtschaft einer ultrareichen Familie verwickelt sind, darunter ein gelangweilter Spross auf einer Spritztour Speedrun des amerikanischen Traums.

Der Film untergräbt immer wieder auf geniale Weise seine eigene scheinbare Flugbahn. Es verführt uns und Ani dazu, sich auf die Fantasie einer luxuriösen Flucht einzulassen – und dann, nachdem sich dieser Tagtraum spektakulär gelöst hat, in die andere Art von Fantasie zu verfallen, die Baker heraufzubeschwören scheint, um sie zu ersetzen. Wird der Film zu einer heimlichen Liebeskomödie über ungleiche Gig-Arbeiter, die während eines eintägigen Kampfes durch Brooklyn eine Bindung aufbauen? Wird Ani sich in den insgeheim sensiblen Handlanger Igor (Yuriy Borisov) verlieben, der ihre Tapferkeit zu durchschauen scheint? Jedes Mal, wenn Anora sich einer Massenkatharsis nähert, wird die Sache komplizierter.

Und Baker hat keine Angst davor, Unannehmlichkeiten hervorzurufen und dem Publikum unter die Haut zu gehen. Das inspirierte Herzstück des Films, als das Clownauto voller Handlanger in das Liebesnest von Wanja und Ani kracht (und ein robustes Ensemble komischer Wringer mitbringt), wandelt auf einem schmalen Grat zwischen Heiterkeit und mulmiger Spannung. Das Lachen bleibt einem im Hals stecken. Später kündigt sich der Film in weiter Ferne an und beschert Ani ein saftiges Bekenntnis zu ihrer eigenen finanziellen Freiheit, einen #YasQueen-Mic-Drop. Die Menge jubelt … bis Anora sie (und uns) sofort wieder in die Realität zurückholt. Es kann nicht so einfach sein.

Kein Film hat dieses Jahr so ​​ekstatisch die Grenze zwischen Moderne und Klassik überschritten. Trotz seines quasi-dokumentarischen Interesses an den Subkulturen des zeitgenössischen amerikanischen Trubels ist Baker tief mit dem Geist des Kinos von gestern verbunden. Seine Anora ist wie das uneheliche Liebeskind von Vittorio De Sica, dem italienischen Meister des Neorealismus, und Preston Sturges, dem Hollywood-König des Screwballs. Nur, wissen Sie, mit mehr Lapdances. Wie in „The Florida Project “ wird die Fantasie der Disney-Prinzessin zu einer Abkürzung für eine bessere und komfortablere Welt – ein magisches Königreich –, die außerhalb der Reichweite von Bakers kämpfenden Charakteren liegt. Er spricht in der Sprache des Kinos des 20. Jahrhunderts über die Nöte des 21. Jahrhunderts.

Bei aller Zeitlosigkeit seiner Farce ist „Anora“ vor allem ein Film für die Gegenwart. Bakers Social-Media-Gewohnheiten haben vielleicht in aller Stille seine persönliche Politik in Frage gestellt, aber zwischen seinem neuesten und seinem letzten Film – dem ähnlich aufwühlenden Red Rocket , einer schlicht allegorischen Studie eines charismatischen Krämer-Parasiten – haben nur wenige Filmemacher ein gewitzteres Porträt davon geliefert was wir jetzt weiterhin als die Trump-Ära bezeichnen müssen. In einem Jahr, in dem die Reichen immer reicher wurden und ihre grenzenlosen Ressourcen in den Wahlkampf eines dicken Katers steckten, der versprach, sie noch reicher zu machen, drückte Anora tiefes Mitgefühl für alle aus, die unter der Fuchtel der Oligarchen leben (insbesondere diejenigen mit russischem Geld und Interessen). Man kann ohne Übertreibung sagen, dass Baker aus derselben Quelle der Verzweiflung, Wut und Klassensolidarität schöpft, die auch die Liebesaffäre der Öffentlichkeit mit Luigi Mangione antreibt.

In den letzten Wochen ist Anora Gegenstand einiger Debatten geworden. Es hat seine glühenden Befürworter und seine vehementen Kritiker. Das ist eine gesunde, natürliche Reaktion auf einen dreisten Publikumsliebling, der die Gefühle des Publikums zum Unterricht und zur Sexarbeit sowie den verlockenden Reiz des Aufstiegs thematisiert. Wie viele großartige Filme zuvor kann „Anora“ Einwänden standhalten und alternative Interpretationen unterstützen. Mit freundlichen Grüßen, ich habe vor ein paar Wochen über das Ende geschrieben , und es ist ein Beweis für die Zweideutigkeit dieser zarten letzten Minuten, dass eine völlig andere Sichtweise – eine, die die schmerzhafte Verletzlichkeit des Wahrgenommen-Werdens in den Mittelpunkt stellt – genauso gültig erscheint.

Selbst als die ernüchternden letzten Minuten erreicht sind, der unvermeidliche Kater am Ende des Spektakels, bleibt Anora atemlos am Leben. Es lebt, wie so viele großartige Filme, von Widersprüchen. Es ist eine Klage einer arbeitenden Frau, die das Politische im Persönlichen findet, ein Märchen, das vor Ihren Augen implodiert, ohne seinen Glanz zu verlieren, und eine Komödie der Irrtümer, die Ihnen das Herz bricht, obwohl sie Sie mit ihrem unbeholfenen Missgeschick nach Luft schnappen lässt. Es war ein Lichtblick auf den Slapstick-Humanismus in einem oft hoffnungslosen Jahr – und der beste Film, den dieser Kritiker im Jahr 2024 sah. Hier sind neun weitere, die wie Trostpreise im Dunkeln leuchteten.

2. Furiosa: Eine Mad Max Saga

Was können Sie als Zugabe tun, wenn Sie einen der großartigsten Actionfilme gedreht haben? George Miller kehrt in das karge, gesetzlose Outback seines „ Mad Max“ zurück und weigert sich dennoch, sich zu wiederholen. Er gestaltet ein Prequel, das in seiner Ausuferung geradezu an Dickens erinnert und in seiner übertriebenen Vision von Grenzrache an Sergio Leone erinnert. Jedes Rennen zurück auf der Fury Road war wahrscheinlich zur Enttäuschung verurteilt, aber diejenigen, die an dem vergleichsweise geringen Mangel an Automobilwahnsinn festhielten, verpassten die Wüste wegen der Bohrtürme. Auch wenn das Gaspedal ein wenig vom Gas ging, ließ Miller die anderen Blockbuster des Jahres mit einem atemberaubenden Bild nach dem anderen hinter sich.

3. Alles, was wir uns als Licht vorstellen

„Ein europäischer Film, der in Indien spielt“, so beschrieben die Gatekeeper des Auswahlkomitees Payal Kapadias ersten Sprung vom Dokumentarfilm zum narrativen Filmemachen – eine dürftige Begründung dafür, ein solch gefühlvoll beobachtetes Drama über Generationenfreundschaft aus dem Oscar-Rennen um den internationalen Spielfilm herauszuhalten. Dennoch ist die Freude und Einsamkeit, die Kapadia in Mumbai durch die Geschichte von drei Frauen unterschiedlichen Alters, die sich darin zurechtfinden, ambivalent findet, nicht von Natur aus regional. Wenn Sie der Hektik einer Stadt getrotzt haben, können Sie vielleicht Ihr eigenes Spiegelbild in den Blicken des Films aus den Wohnungsfenstern und in die Unschärfe vorbeifahrender Züge einfangen. Dieser Autor erhaschte auch einen Hauch von den sinnlichen Visionen von Wong Kar-wai und Claire Denis, was das größte Kompliment darstellt, das er sich nur wünschen kann.

4. Herausforderer

Nein, die Tennis-Jungs schließen sich nicht an. Luca Guadagnino ist auf der Suche nach einer komplizierteren Ménage à trois mit seiner Geschichte von zwei aufstrebenden Champions (Mike Faist und Josh O'Connor) und dem ebenfalls aufstrebenden Sportstar (Zendaya), der zwischen ihnen steht – und dann, nur vielleicht, einen Weg findet, es zu schaffen Bringe sie wieder zusammen. Auf und neben dem Spielfeld ist Guadagninos Inszenierung elektrisierend und macht aus dem Hin und Her von Gefühlen und Gefühlen ein visuelles Spektakel. Und er arbeitet mit dem witzigsten, verspieltesten und kompliziertesten Stück Drehbuchschreiben dieses Jahr – einem Spiel mit Aufschlägen und Rückschlägen von Justin Kuritzkes, das sich über mehrere Jahre und Wettkampfstadien erstreckt. „Challengers“ ist ein so berauschender Spaß für Erwachsene, der in der reichen Tradition von „ Bull Durham“ steht , dass man kaum glauben kann, dass er aus dem modernen Hollywood stammt.

5. Ich sah den Fernseher leuchten

Nachdem die Autorin und Regisseurin Jane Schoenbrun bereits einen der einfühlsamsten Filme über die unheilbar online lebenden Menschen gedreht hat , kehrt sie in eine Zeit zurück, in der es noch nicht alle gab. Ihr eindringlicher zweiter Spielfilm ist das Elder-Millennial-Kino schlechthin und entführt uns in eine Geistervorstadt der späten 90er Jahre mit einsamen Teenagern, die sich nicht per Modem, sondern durch ihre gemeinsame Hingabe an eine übernatürliche Soap verbinden. Schoenbrun konzipierte I Saw the TV Glow als warnende Geschichte für ein transsexuelles Publikum, die vor der Qual warnt, das eigene wahre Selbst wie eine alte Kiste mit VHS-Aufnahmen wegzuschließen. Aber im Besonderen liegt das Universelle: Jeder, der sein Selbstbewusstsein durch eine Popkultur-Besessenheit gewaschen hat – wie die WB- und Nickelodeon-Programme, die Schoenbrun so unheimlich hervorruft – könnte die gruselige Melancholie des Films nachvollziehen.

6. Letzten Sommer

Sex ist Komödie, behauptete einst die französische Regisseurin Catherine Breillat mit dem Titel einer frühen Provokation. Es ist auch eine Möglichkeit, Macht zu etablieren und zu erforschen – ein Thema, das im neuesten Drama des Filmemachers angesprochen wird, in dem eine bürgerliche Anwältin (Léa Drucker) fast gedankenlos in eine Tabu-Affäre mit dem jugendlichen Sohn ihres Mannes (Samuel Kircher) gerät. Breillat spielt sowohl mit den Konventionen der Standard-MILF-Fantasien als auch mit einem allgemeinen Unbehagen darüber; Diejenigen, die „Challengers“ zu zahm fanden, werden wahrscheinlich nicht die gleichen Einwände gegen die offensichtliche Fleischlichkeit des Altersunterschieds haben. Doch das eigentliche psychologische Feuerwerk kommt in der zweiten Hälfte, wenn „ Last Summer“ zu einem brüchigen Porträt der Selbsterhaltung wird und zu einer Lektion darüber, wie Sex ein Vorgeschmack auf die echten Gedankenficks der Erwachsenenwelt sein kann.

7. Rebellengrat

Politisches Kino als krasse Mainstream-Unterhaltung, genau wie Anora . Aaron Pierre, der jetzt in Disneys „Mufasa“ zu hören (aber nicht zu sehen) ist , liefert in „Rebel Ridge“ eine Rolle, die ein echter Star hätte werden sollen , als gurkencooler Militärtrainer, der sich mit einem Sheriff aus einer Kleinstadt auseinandersetzen muss die übliche (und ärgerlicherweise legale) Praxis der zivilrechtlichen Einziehung von Vermögenswerten. Auch wenn sich Regisseur Jeremy Saulnier mit gruseligen, spannenden Thrillern wie „Green Room“ einen Namen gemacht hat , bleibt sein neuestes Spannungswunder am Rande der Gewalt. Wer darauf hofft, dass korrupte Polizisten auf grausame Weise bekommen, was auf sie zukommt, hat den Sinn eines Actionfilms, in dem es um die Zurückhaltung geht, die die Polizei so oft ablehnt, verfehlt.

8. Rote Räume

Auch in Red Rooms gibt es nicht viel Gewalt – zumindest nicht viel, was wir tatsächlich sehen. Obwohl es in Pascal Plantes äußerst verstörendem Psychodrama um einen bösartigen Serienmörder geht, der Mädchen im Teenageralter brutal vergewaltigt, foltert und zerstückelt, erhaschen wir nur ein paar kurze Einblicke in sein obszönes Werk. Wir hören jedoch das Töten, und dieses Schallfenster wird zu einer Art düsterer, verlockender Neckerei, die es wagt, eine unangenehme Verbindung zwischen dem Zuschauer und der Hauptfigur, einem Model aus Montreal (Juliette Gariépy, um Längen gruseliger als Hannibal Lecter), herzustellen Die Fixierung auf die Verbrechen und ihre Täter dringt bis in die dunkelsten Ecken des Dark Web vor. Während sich der Film mit dem Geheimnis ihrer Motive beschäftigt, wird ihre Faszination für Autounfälle zu einem dunklen Spiegel, der dem Publikum auf subtile Weise alles von Rotten.com über wahre Kriminalität bis hin zu Terrifier 3 vor Augen führt .

9. Die Substanz

Coralie Fargeat weiß, dass man einen Vorschlaghammer und kein Skalpell braucht, um die erschreckende Oberflächlichkeit Hollywoods wirklich zu analysieren. Die albtraumhafte Satire „The Substance“ des französischen Regisseurs ist genauso umfassend und grotesk wie die Branche, die sie kritisiert, was bedeutet, dass sie Showbiz-Leute und Gorehounds gleichermaßen ansprechen dürfte. Das Einzige, was noch schlimmer ist als die im wahrsten Sinne des Wortes umwerfenden praktischen Wirkung (eine Erinnerung an die glorreiche Blütezeit von „Screaming Mad George“), ist Fargeats Verachtung für eine Welt, in der es ums Überleben des chemisch und chirurgisch Stärksten geht. Inmitten des sintflutartigen Regengusses aus Blut, Eiter und Körperteilen hören wir ein paar seltsam ergreifende Vorschlagsnoten, vor allem Dank an Demi Moores furchtlos wilden Auftritt als Sexsymbol, das sich mit Zähnen und Nägeln ablöst, um das von einer Stadt mit sehr vielen Gesetzen festgelegte Verfallsdatum zu überleben unversöhnliche und sehr unrealistische Schönheitsstandards.

10. Heiligabend in Miller's Point

Dank Hallmark, Lifetime und Netflix kommen jedes Jahr Dutzende oder mehr Weihnachtsfilme auf den Markt. Aber es ist selten, dass man auf einen Film stößt, der das gesamte Spektrum an Emotionen – und insbesondere die vage, frei schwebende Melancholie – einfängt, die die Weihnachtszeit hervorrufen kann. Tyler Thomas Taormina ( Ham on Rye ) kommt mit seinem neuesten Indie-Drama nahe, das die Zuschauer in das jährliche Feiertagstreffen einer Großfamilie in einem Vorort von New York entführt. „Christmas Eve in Miller's Point“ beobachtet lediglich mit einer weihnachtlichen Sorgfalt die Rituale, Routinen und Dynamiken dieses Clans, ohne jemals das Bedürfnis zu verspüren, der betreffenden Nacht einen größeren Erzählrahmen aufzuzwingen. Allerdings breiten sich Spannungen – ein Kennzeichen jedes echten Weihnachtsfestes mit den Verwandten – auf der Oberfläche dieses schönen Weihnachtsteppichs aus.

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