Alle Nominierten für den Oscar für den besten Film 2024, aufgelistet

Heute früh (traditionell pervers früh) überreichten Zazie Beetz und Jack Quaid einem übernächtigten Amerika die Nominierungen für die 96. Oscar-Verleihung . Unter den 10 Filmen, die für den Wettbewerb um den besten Film ausgewählt wurden, gab es nur wenige große Überraschungen – es handelte sich um eine erwartete Besetzung, die sich in den letzten Wochen zu einem Evangelium verfestigt hatte. Am Nominierungstag haben wir normalerweise eine ziemlich gute Vorstellung davon, welche Filme wir namentlich hören werden.

Vielleicht wäre diese Unvermeidlichkeit noch entmutigender, wenn es nicht eine ziemlich solide Gruppe von Kandidaten gäbe. Es gibt in diesem Jahr keine echten Verrückten, die um den besten Film konkurrieren. Und ganz oben stehen zwei nahezu Meisterwerke – darunter der beste Film des Jahres, der zufällig auch der Spitzenreiter ist. Das Programm deckt auch ein Spektrum an Budgets und Definitionen von Erfolg ab, wobei die größten Sensationen des Jahres mit kleineren internationalen Angeboten konkurrieren (einschließlich beispielloser drei Filme, die vollständig oder größtenteils in einer anderen Sprache als Englisch gedreht sind).

Natürlich bilden diese 10 Filme auch ein qualitatives Spektrum ab. Und wir sind hier, um sie vom schlechtesten zum besten durchzugehen und den Lesern gleichzeitig die Möglichkeiten aufzuzeigen, wie sie sie sehen können, um ihr eigenes persönliches Ranking zu erstellen.

10. Maestro

Tadelloses Fahrzeug im Dienste von … was genau? Dass Bradley Cooper sich in das Leben und Werk von Leonard Bernstein vertiefte und jahrelang daran arbeitete, jedes Detail hinter und vor der Kamera richtig hinzubekommen, ist offensichtlich. Vielleicht zu offensichtlich. Als Biopic als aufwendiges Eitelkeitsprojekt führt Maestro seine eigene interne „For Your Consideration“-Kampagne durch und bittet die Zuschauer, die auffällige Eleganz von Coopers Filmemachen und die ebenso pingelige Präzision seiner Eindrücke zu bewundern (unterstützt durch das academy-freundlichste Accessoire, eine Nasenprothese). . Was der Film nie bietet, ist die Andeutung einer Perspektive auf sein verehrtes Thema, die über ein oberflächliches Interesse an den Widersprüchen seines Liebeslebens als queerer Schürzenjäger hinausgeht, der immer noch von der Frau, die er geheiratet hat, verliebt ist. Keine Kritik an dieser schönen Hommage an die künstlerischen Ambitionen eines Mannes (raten Sie mal, welcher Mann) könnte mit den Schlussfolgerungen von Bernsteins Sohn Alexander mithalten : „Ich weiß, dass ich viel über Bradley Cooper gelernt habe.“

9. Amerikanische Belletristik

„American Fiction“ besteht aus zwei Filmen, die ungeschickt zusammengefügt wurden – einer ist ein warmherzig beobachtetes Porträt des Lebens der schwarzen Amerikaner, der andere eine zynische, beleuchtete Weltsatire. Fairerweise muss man sagen, dass es einen Sinn und Grund für die Zweiteilung des Debütspielfilms von Autor und Regisseur Cord Jefferson gibt: Die Szenen, die sich auf das Familien- und Liebesleben des kämpfenden Autors Thelonious „Monk“ Ellison (Jeffrey Wright) konzentrieren, bieten eine nuancierte Alternative zum stereotypen Armutspornos, den er parodistisch mit seinem zufälligen Bestseller nachplappert. Bedauerlicherweise ist das frühere Material so nachdenklich – zum großen Teil dank der großartigen Leistungen von Wright, Sterling K. Brown, Tracee Ellis Ross und anderen –, dass es nicht umhin kann, deutlicher hervorzuheben, wie breit gefächert die Showbiz-Kritik ist. Auch wie veraltet. Mit der Adaption von Percival Everetts Roman „Erasure“ aus dem Jahr 2001 wählt Jefferson ein literarisches Ziel, dessen Verfallsdatum längst überschritten ist, ganz zu schweigen davon, dass die sozialen Medien es heute viel schwieriger machen würden, Monks Lüge zu verbergen. Während die gleichgesinnten „ Bambozled“ zu ihrer Zeit für Aufregung sorgten, geht „American Fiction“ ruhiger an und droht nie, das Publikum, das ihr auf dem Festivalgelände applaudierte, wirklich zu verunsichern.

8. Barbie

Der größte Hit des Jahres – ein echtes Phänomen, das Filme rettete, wenn man den Schlagzeilen Glauben schenken darf – gehört zu den selbstbewusstesten Blockbustern aller Zeiten. Wie verkauft man ein Live-Action-Spielset von Mattel, ohne dass es ausverkauft ist? Greta Gerwig hat diesen Kampf deutlich in „Barbie“ einfließen lassen , einer strahlend respektlosen Studiokomödie, die in ständiger, erschöpfender Konversation mit sich selbst versunken ist. Das ekstatisch farbenfrohe Produktionsdesign verleiht dem gesamten Unternehmen einen sympathischen Pop-Art-Glanz, während einige der Darbietungen – insbesondere Margot Robbies als idealisierte Ikone am anderen Ende einer existenziellen Krise und Ryan Goslings urkomische Interpretation eines MRA-Himbo – geradezu erhaben sind der Film über seinem neurotischen Stillstand der Widersprüche. Was aber vor allem durchkommt, ist Gerwigs hoffnungsvoller, mühsamer Versuch, alles zu erreichen: sich leicht subversiv über die Puppenfabrik lustig zu machen und gleichzeitig dafür zu sorgen, dass ihre Produkte weiterhin aus den Regalen fliegen.

7. Die Überbleibsel

Diejenigen, die nicht allergisch auf Alexander Paynes besondere Art der Tragikomödie sind – voller Mitleid und Blödsinn – können hier getrost ein paar Plätze nach oben schieben. „The Holdovers“ ist unbestreitbar seine angenehmste Erfindung seit Jahren. Er wirft einen schlendernden Hal-Ashby-Hollywood-Filter aus den 1970er Jahren über die Geschichte eines schrulligen Akademikers (Paul Giamatti, wunderbar, auch wenn der Film es nicht ist), der im Winterurlaub langsam auftaut Babysitter vom Typ Holden Caulfield (Dominic Sessa). Nur ein totaler Dagobert würde sich auf die feineren Details von Paynes zotteligem Riff in „A Christmas Carol“ einlassen … wie zum Beispiel, ob Giamattis Paul Hunham wirklich nicht eine, nicht zwei, sondern drei körperliche Krankheiten brauchte, oder warum der Film eine ganze Schar einführt von Mitwaisenkindern für die Saison, nur um sie nach einer halben Stunde auszuschreiben. Ursprünglich als TV-Serie konzipiert, erweitert The Holdovers auch die Länge eines durchschnittlichen Marvel-Films um eine liebenswert zurückhaltende Prämisse. Manche würden das als entscheidend für seinen heruntergekommenen Charme bezeichnen. Auf die Gefahr hin, wie „Peniskrebs in menschlicher Form“ zu klingen, sind wir respektvoll anderer Meinung.

6. Vergangene Leben

Der amtierende Liebling der Kritiker des letzten Jahres hat einen Schimmer von Tiefgründigkeit, eine Sundance-Sensation über die Wiedervereinigung von Kinderlieben über Kontinente und Jahrzehnte hinweg – zunächst als College-Kids in ihren frühen Zwanzigern, dann als ältere und weisere Mittdreißiger. Es ist kein großer Schlag gegen „Past Lives“ , wenn man sagt, dass es das Gewicht des Zeitablaufs nicht so tief vermitteln kann wie einer seiner offensichtlichsten Einflüsse, Richard Linklaters „ Before “-Trilogie. Aber man könnte sich etwas mehr emotionale Unordnung wünschen; Jeder im Film meistert eine schwierige Situation mit so unwahrscheinlicher Reife , dass es den Anschein hat, als hätte Autorin und Regisseurin Celine Song alle komplizierten Gefühle des Materials vorverarbeitet und letztendlich etwas viel weniger Dramatisches geboten, als die faszinierend voyeuristische Eröffnungssequenz verspricht. Wenn jedoch die Reichweite des Films seine Reichweite übersteigt, ist das für ein Debüt ein ziemlich gutes Problem. Dieser Film bleibt wunderschön gedreht und geschnitten, mit einem Dreieck aus schönen Darbietungen von Greta Lee, Teo Yoo und John Magaro.

5. Die Interessenzone

Hier finden Sie alle Beweise, die Sie jemals brauchen könnten, dass die Akademie einer Holocaust-Geschichte hilflos widerstehen kann. Schließlich ist Jonathan Glazers alptraumhaftes häusliches Drama über das Traumhaus und die glückliche Familie eines Nazi-Kommandanten (Christian Friedel) ansonsten das Gegenteil eines „Oscar-Films“, der die Schrecken von Auschwitz in eine strukturelle Abwesenheit verwandelt, ein großes Übel aus dem Off, das nur vermittelt wird durch verräterische Einbrüche: ein Rauchschwaden, der in der Ecke des Bildes aufsteigt, ein entfernter Schrei weit hinten in der Mischung. „The Zone of Interest“ dürfte der formell disziplinierteste Film sein, der jemals für die Kategorie „Bester Film“ nominiert wurde. Tatsächlich ist es wohl zu diszipliniert; Sobald Sie verstanden haben, wie nah die höfliche Gesellschaft an den Gräueltaten ist, die sie duldet, bleibt Ihnen nichts anderes übrig, als sich auf eine düstere Partie „Finde den Unterschied“ einzulassen. Intelligent konzipiert und meisterhaft ausgeführt, ist Glazers Installationsstück aus der Hölle in ihrer Kubrickschen Strenge so monolithisch, dass sie sich von einem Gefühl des Entdeckens abschirmt … zumindest bis zur letzten Szene, einem brillanten Bruch, der Wellen neuer Bedeutung durch das Bild schickt.

4. Anatomie eines Sturzes

Ein weiteres Jahr, ein weiterer Cannes-Gewinner im Vertrieb von Neon schlängelt sich ins Rennen um den besten Film. Im Gegensatz zu „Parasite“ oder „Triangle of Sadness “ ist Justin Triets fesselndes Rechtsdrama keine Übertragung von der Front eines internationalen Klassenkampfs. Unter der Oberfläche der Geschichte brodeln verschiedene Ressentiments, in der ein Mann auf mysteriöse Weise vom Dach seines Chalets in den französischen Alpen in den Tod stürzt, Verdacht auf seine Romanschriftstellerin (Sandra Hüller, bemerkenswert, unerkennbar) erregt und ein Fenster in die Welt öffnet Spannungen in ihrer Ehe. Es ist nicht so überraschend, dass „Anatomy of a Fall“ in diese Kategorie eingeordnet wurde, da die Sprachbarriere für eine so packende Mischung aus häuslicher und Gerichtstheatralik gering ist (obwohl die sanktionierte Feindseligkeit des französischen Rechtssystems durchaus einen gewissen exotischen Reiz hat). Was wirklich auf diesem Dach passiert ist, steht zur Debatte. Das gilt auch für die Frage, ob Triets Widerwillen, es uns zu sagen, produktiv gewagt oder ein wenig unbefriedigend ist.

3. Arme Dinge

Der griechische Provokateur Yorgos Lanthimos ist seit den verrückten glorreichen Tagen von „ Dogtooth“ ein unwahrscheinlicher Oscar-Anwärter , aber er hat im Steuerhaus der Akademie noch nie etwas so Deutliches gemacht – das heißt so grenzwertig zum Mainstream – wie dieses barocke Steampunk-Märchen über ein viktorianisches Experiment verrückte Wissenschaft, die zu ihren fleischlichen und anderen Wünschen erwacht. Auch wenn „Poor Things“ nicht die ausgefeilteste Allegorie ist (man braucht keine Schaufel, um den Subtext aufzudecken), ist es doch ein frecher Scherz, der die ausgeprägte visuelle Vorstellungskraft des Regisseurs auf die Salve oft urkomischer Pidgin-Bonmots des Drehbuchautors Tony McNamara anwendet. Der wahre Stromstoß kommt von den Schauspielern – Willem Dafoe, der unter unglaublichen Puzzle-Prothesen Noten von salzigem Pathos vermittelt; Mark Ruffalo nutzt eine großartige Dandy-Laune; und Emma Stone führt Bella Baxter in der inspirierten Comic-Performance des Jahres und ihrer Karriere langsam durch das psychologische Spektrum, das Kindheit und Erwachsenenalter verbindet.

2. Killer des Blumenmondes

Mit 81 Jahren zeigt Martin Scorsese keine Anzeichen von kreativer Müdigkeit. Wenn überhaupt, dann hat er eine neue Renaissance überwältigender Meditationen über die verrottete Seele Amerikas erlebt. Sein neuester monumentaler Film wandelt David Granns Sachbuch-Bestseller in ein besonders erschütterndes Krimi-Epos um, mit einer Geschichte über intimen Verrat, der uns den Einstieg in die Verschwörung der 1920er-Jahre zur Ermordung und zum Betrug an einer wohlhabenden Osage-Familie bietet. Wie im letzten seiner Filme, der für die Kategorie „Bester Film“ nominiert wurde, „ The Irishman“ , baut Scorsese einen gemächlichen Bericht über die Verschärfung von Missetaten rund um eine moralische Leere auf (Leonardo DiCaprios leicht schuldiger Ernest, ein wirklich bankrottes menschliches Exemplar), während er gleichzeitig das empörte Gewissen des Films in einem verortet starrende, manchmal stumme Zeugin (Lily Gladstones Mollie, krank vor Krankheit und Trauer). Seien Sie nur nicht überrascht, wenn Killers of the Flower Moon mit leeren Händen nach Hause gehen. Filme, die so kompromisslos sind, gewinnen selten einen Oscar, selbst wenn sie von einer lebenden Legende stammen, die sich in den letzten Jahren auf dem Höhepunkt ihrer Karriere befindet.

1. Oppenheimer

Man muss zu „Titanic“ oder „Der Soldat James Ryan“ zurückgehen , um einen größeren No-Brainer für den Oscar für den besten Film zu finden – es gibt keine vernünftigere Wahl für die prestigeträchtigste Auszeichnung, die Hollywood selbst verleiht. Wie diese Blockbuster vor der Jahrtausendwende war auch Christopher Nolans zeitraubende Entstehungsgeschichte von „The Bomb“ ein Kassenphänomen, das den Glauben an die Fähigkeit von Erwachsenenspektakeln, die öffentliche Vorstellungskraft wieder zu dominieren, wiederherstellte. Wozu dient „Best Picture“, wenn nicht, um einen wahren Protonenbeschleuniger eines Ereignisses anzuerkennen, das Popularität, Anerkennung und kulturelle Auswirkungen vereint? Es hilft natürlich, dass Oppenheimer nicht nur der prägende Film des Jahres 2023 ist, sondern auch sein bester: ein schillernder historischer Thriller mit moralischen und mathematischen Berechnungen, den John Waters als „einen hochbudgetierten, mit Stars besetzten, intelligenten Actionfilm über das Sprechen“ bezeichnete .“ Es gab nichts Besseres als die IMAX-große Vision der atomaren Entstehung und des apokalyptischen Bedauerns. Und es wird Bestand haben, mit oder ohne die verdiente Siegesrunde im Dolby Theatre.

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