Auch 25 Jahre nach seiner Veröffentlichung behält „The Virgin Suicides“ seine vollkommene Menschlichkeit

„Am Ende hatten wir Teile des Puzzles“, sagt Giovanni Ribisi, der unsichtbare Erzähler von Sofia Coppolas Debütfilm „The Virgin Suicides“ , der heute vor 25 Jahren in die Kinos kam. „Aber egal wie wir sie zusammenstellten, es blieben Lücken.“ Wie erzählen wir die Geschichten derer, die wir nicht wirklich kennen, deren Geschichten aber unserer Meinung nach es verdienen, so ausführlich erzählt zu werden?

Coppolas Film hinterfragt das Konzept der allmächtigen Erzählung in der dritten Person und orientiert sich an der großartigen Leistung des Romans von Jeffrey Eugenides aus dem Jahr 1993, auf dem er basiert. Er ist auch heute noch genauso üppig und fesselnd wie vor einem Vierteljahrhundert, als er erstmals in großen Kinos erschien.

Mädchen und Jungen

Ribisi ist die kollektive Stimme einer bunt zusammengewürfelten Gruppe von Nachbarschaftsjungen in einem Vorort von Detroit in den 1970er Jahren, die sich nach den Lissabon-Schwestern sehnen und von ihnen fasziniert sind, vier ätherischen Blondinen im Alter von 13 bis 17 Jahren, denen eine nach der anderen ein schreckliches Schicksal widerfährt. Wir wissen nicht, welcher der Jungen er ist; Sie rennen im Rudel, drängen sich zusammen und flüstern ihre Teenagersehnsüchte, und er verwendet in seinen Geschichten immer das Pronomen „wir“. Das Publikum ist Teil dieser Geschichte und in sie verwickelt. Wir schauen zu, wie es diese Teenager tun, und wie sie können wir nichts tun. Und wie sie haben wir nur Puzzleteile.

Die Lissabon-Schwestern sind Lux ​​(Kirsten Dunst), Cecilia (Hanna R. Hall), Mary (AJ Cook), Therese (Leslie Hayman) und Bonnie (Chelse Swain). Dunst hinterlässt natürlich den nachhaltigsten Eindruck, der in einem Jahr drei Spielfilme gedreht hat – „Dick“ , „Drop Dead Gorgeous “ und diesen hier. Sie blickt durch einen undurchdringlichen Dunst in die Kamera; sie ist erreichbar, greifbar und doch unmöglich. Coppola verliebte sich in sie und sie ist seitdem die Muse des Regisseurs, in Filmen von verspielt ( Marie Antoinette ) bis eiskalt ( The Beguiled ). Zu sehen, wie diese Beziehung live auf der Leinwand beginnt, ist ein Wunder. Die beiden Künstler verleihen einander Schönheit. (Auch Ribisi wurde ein Multi-Film-Mitarbeiter; die Keime des Coppola-Stalls sind alle hier.)

Themen bei der Arbeit

Das subtile Thema von „The Virgin Suicides“ ist nicht, wie oft behauptet wurde, verträumte Unwirklichkeit im Teenager-Delirium. Es ist die Brutalität der Realität im Gegensatz zu dieser Unwirklichkeit – das Traummädchen, aus der Ferne geschmeidig und zur Göttin werdend, am Hals hängend in einem fertigen Keller gefunden.

Die herzzerreißende Prosa von Eugenides leistet hier viel Arbeit. Bei der Adaption des Drehbuchs hat Coppola ihm klugerweise den Raum gegeben, sich in das Bewusstsein des Hörers einzudringen und auszudehnen, wie es auf der Seite so effektiv der Fall ist. Auf jeden Fall ist ihre Führung seiner Leistung mehr als ebenbürtig. Dies ist das seltene Debüt, das sich auch heute noch wie ein spannender Vorbote zukünftiger Geschenke anfühlt.

Ein historisches Stück ohne Sentimentalität

Der Film ist so unmittelbar, dass man am Ende fast erschreckt. Ein Teil der Magie liegt hier darin, dass die Geschichte mit aufrichtiger Wärme an eine analoge Zeit erinnert, die wir verloren haben. Die Jungen aus der Nachbarschaft reagieren auf das harte Hausarrest der Lissabon-Schwestern durch ihre puritanischen Eltern (James Woods und Kathleen Turner), rufen sie am Telefon an und spielen eine Platte in den Hörer: „Hello It's Me“ von Todd Rundgren.

Im Buch wird das Lied „Make It with You“ von Bread gespielt – stumpfer, besser und vielleicht außerhalb des Rahmens für das gewaltige Musikbudget des Films, in dem bereits Heart, Al Green, Gilbert O'Sullivan, Electric Light Orchestra, 10cc und Styx gesampelt waren. The Virgin Suicides erschien zu Beginn des digitalen Zeitalters und war bereits nostalgisch für eine Ära, in der man diesen Schritt wagen konnte, und das Publikum spürt diese Nostalgie, nicht billig, aber von ganzem Herzen.

Die 90er und 70er Jahre

Jede Ära hat ihr erinnertes Jahrzehnt. In den 1970er Jahren selbst waren es die 50er Jahre – eine Zeit, so glaubte man, der Unschuld und des Wohlstands. Es war kein Zufall, dass „Happy Days“ , „Grease“ und „American Graffiti“ alle innerhalb von fünf Jahren im trostlosen Amerika nach Watergate debütierten. In den 90er Jahren waren sie (für die meisten) verhätschelt und wohlhabend, und es waren die 70er Jahre – eine Zeit, in der junge Menschen Risiken und, bedeutungsvoll, Sex in einer Weise ausgesetzt waren, die schnell verschwand. Ich bin fasziniert von den Parallelen zwischen The Virgin Suicides und dem hervorragenden Film The Ice Storm aus dem Jahr 1997, der auf einem Roman von Rick Moody basiert.

Moody war wie Eugenides ein Brown-Absolvent (sie besuchten gleichzeitig ihr Studium und entstammten der von David Foster Wallace beeinflussten Post-Pop-Fiction-Generation) und schrieb wie Eugenides seinen Debütroman über Teenager, die in vermeintlich sicheren Mittelklasse-Vorstädten der 1970er Jahre tödlicher Gewalt ausgesetzt waren. (Andere Klassiker der 90er/frühen 2000er über die 70er – Almost Famous, Dazed and Confused und Goodfellas – folgen ähnlich erschütternden Coming-of-Age- Tracks.)

Die Coppolas

Wie alle Coppola-Projekte ist auch dieses eine Familienangelegenheit – Sofias Bruder Roman (ein häufiger Co-Autor von Wes Anderson ) ist Regisseur der zweiten Einheit; ihr Cousin Robert Schwartzman (Bruder von Jason) spielt einen der kleinen Jungen; und Francis Ford produziert natürlich.

Nach Sofias vielbeachtetem Auftritt in „Der Pate III“ ihres Vaters, ihrem profiliertesten Einstieg in das Familienunternehmen, stand Hollywood unter gruseligem Druck, um zu beweisen, dass sie kein weiteres filmisches Prinzkind war. Sie hat es bewiesen und hätte es mit oder ohne ihre Familie getan. Als sie als erste Amerikanerin für „Lost in Translation“ als beste Regisseurin nominiert wurde, war das keine große Überraschung.

Blondheit und ihre Unzufriedenheit

Das blonde Mädchen ist – für Nicht-Blondinen wie Coppola, Elaine May ( The Heartbreak Kid ) oder Billy Wilder ( Some Like It Hot , The Seven-Year Itch ) – ein starkes filmisches Symbol. Die Reife der idealisierten Blondinenphantasie hat sich in den 25 Jahren seit April 2000 kein bisschen verschlechtert (ein Beispiel dafür ist die quasi-politische Aufregung über die gesellschaftliche Rolle von Sydney Sweeney ).

Aber seit Coppola hat niemand die Menschlichkeit des Mädchens hinter dem goldenen Haar direkter und schärfer hinterfragt und so eindringlich angedeutet, dass wir, indem wir jemanden verehren oder objektivieren, ohne ihn zu kennen, das Puzzle zusammenstellen, dessen Teile noch fehlen.

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