Die 10 besten Film-Remakes aller Zeiten, bewertet
Film-Remakes sind seit langem ein fester Bestandteil Hollywoods. Regisseure nehmen alte Klassiker oder versteckte Schätze und fügen ihnen ihre eigene Note hinzu, wobei sie sich oft für mutige kreative Risiken entscheiden. Obwohl nicht alle Remakes ins Schwarze treffen, schaffen es einige, ihr Ausgangsmaterial zu übertreffen. Die besten Film-Remakes beweisen, dass manche Geschichten es verdienen, noch einmal erzählt zu werden, und dass sie beim zweiten (oder dritten) Mal noch heller erstrahlen können.
Von „Der Zauberer von Oz“ (1939) bis „Scarface“ (1983) hauchen die größten Film-Remakes aller Zeiten vergessenen oder vertrauten Geschichten neues Leben ein und stellen einer neuen Generation fast immer unglaubliche Geschichten vor. Diese werden oft sogar noch beliebter als ihre Vorgänger und werden für die Art und Weise gelobt, wie sie alte Ideen neu erfinden und neue Perspektiven nutzen, um Genres zu verändern, Erzählungen zu vertiefen, visuelle Elemente zu aktualisieren oder alles oben Genannte. Sogar Kinoliebhaber werden überrascht sein, wenn sie erfahren, dass es sich bei einigen ihrer Favoriten tatsächlich um Remakes weniger bekannter Filme handelt.
10. Der talentierte Mr. Ripley (1999)
Basierend auf Patricia Highsmiths gleichnamigem Roman aus dem Jahr 1955 ist „The Talented Mr. Ripley“ ein Psychothriller über Tom Ripley (Matt Damon), einen jungen Mann und bekannten Betrüger, der nach Europa geschickt wird, um den verwöhnten und viel reicheren Dickie Greenleaf (Jude) zurückzuholen Gesetz). Als es ihm nicht gelingt, Dickie davon zu überzeugen, nach Hause zurückzukehren, schmiedet er bald einen Plan, angetrieben von Eifersucht auf den verschwenderischen Lebensstil von Dickie und seiner im Ausland lebenden Freundin Marge Sherwood (Gwyneth Paltrow).
Eine frühere Adaption, Purple Noon (1960), versuchte, nah am Ausgangsmaterial zu bleiben, erreichte jedoch nicht die gleiche psychologische Komplexität wie die Version von Regisseur Anthony Minghella. Das Remake von 1999 untersucht Ripleys soziopathische Tendenzen auf explizitere Weise und ist vor allem dank einer unglaublichen Leistung von Matt Damon erfolgreich. Der Film stellt auch Klassenneid und verbotene Wünsche wirkungsvoller dar, die alle im Widerspruch zur üppigen Ästhetik der 1990er Jahre stehen.
9. Ein Stern ist geboren (1954)
Seit seiner Fassung von 1937 wurde „A Star is Born“ viermal neu verfilmt, aber keines übertrifft das Musical von 1954 unter der Regie von George Cukor. Mit Judy Garland in einer ihrer gefeiertsten Darbietungen handelt es sich um Esther Blodgett (Garland), eine begabte Sängerin mit großen Träumen, die vom verblassenden Idol Norman Maine (James Mason) entdeckt wurde. Während Esthers Karriere unter dem Künstlernamen Vicki Lester steigt, sinkt Normans Karriere vor allem aufgrund seines Alkoholismus und seiner wachsenden Unsicherheit. Die beiden sind in einer leidenschaftlichen, aber letztlich tragischen Liebesgeschichte gefangen.
Das Remake von A Star is Born aus dem Jahr 1954 führte das Musikformat ein und betonte Garlands Talent durch unvergessliche Lieder. Garland und Mason waren auf dem Höhepunkt ihrer Kräfte und ihre Chemie war trotz der Höhen und Tiefen der Beziehung der Charaktere leicht zu erkennen. Lebendige Versatzstücke und bahnbrechende Kinematographie sorgten außerdem dafür, dass unvergessliche Szenen überlebensgroß wirkten und die wirklich emotionale und ikonische Erzählung ergänzten, die auch über Generationen hinweg erzählt werden sollte.
8. Ben-Hur (1959)
Ben-Hur: A Tale of the Christ (1925) war ein lobenswerter Versuch, eine umfassende Geschichte zu erzählen, kann aber der Fassung von 1959 nicht das Wasser reichen, die als monumentale Errungenschaft des Filmemachens gilt. Ben-Hur von Regisseur William Wyler entführt die Zuschauer ins antike Rom, wo ein wohlhabender jüdischer Prinz im römisch besetzten Jerusalem, Judah Ben-Hur (Charlton Heston), am Boden zerstört ist, als sein Freund aus Kindertagen, Messala (Stephen Boyd), der zum römischen Offizier wurde, ihn verrät . Juda erduldet nach seiner Verurteilung zur Sklaverei zermürbendes Elend, was seinen Wunsch nach Rache schürt. Dies führt ihn in die Welt des Wagenrennens, wo er endlich seine Chance bekommt.
Mit 11 Oscar-Verleihungen, darunter für den besten Film, etablierte sich „Ben-Hur“ als Meilenstein in der Kinogeschichte. Es ist ein technisch brillanter Film, an den man sich vor allem wegen seines legendären Wagenrennens im Circus Maximus erinnert, das zu einer der aufregendsten Sequenzen des Kinos wurde. „Ben-Hur“ bleibt eines der großartigsten Epen aller Zeiten , und sein Einfluss auf das Genre und das Filmemachen insgesamt kann nicht hoch genug eingeschätzt werden.
7. Die Fliege (1986)
In der klassischen Geschichte eines fehlgeschlagenen wissenschaftlichen Experiments spielt Jeff Goldblum die Rolle des exzentrischen Wissenschaftlers Seth Brundle, der ein hochmodernes Teleportationsgerät vorstellt. Während eines Experiments dringt jedoch eine gewöhnliche Stubenfliege mit ihm in die Teleportationskapsel ein und verbindet ihre DNA. Zunächst ist Seth hocherfreut, scheinbar positive körperliche Verbesserungen wie übermenschliche Kraft, Beweglichkeit und Ausdauer zu erleben. Diese Aufregung schlägt bald in Entsetzen um, als er sich in einen grotesken Mensch-Fliegen-Hybriden verwandelt.
Die Version von The Fly aus dem Jahr 1958 ist ein kitschiges Produkt ihrer Zeit und erzählt die gleiche Erzählung mit rudimentäreren praktischen Auswirkungen. Das Remake von Regisseur David Cronenberg gilt aufgrund seines äußerst detaillierten und verstörenden Body-Horror-Make-ups, einem der Markenzeichen des Filmemachers, als wirkungsvollere Nacherzählung. Cronenbergs „Die Fliege“ ist nicht nur eindringlicher, sondern verfolgt auch einen eher psychologischen Ansatz, da er die zermürbende Verwandlung des Protagonisten aufzeichnet.
6. Die Verstorbenen (2006)
„The Departed“ von Regisseur Martin Scorsese ist sowohl ein Remake des Hongkonger Films „Infernal Affairs“ aus dem Jahr 2002 als auch lose auf der realen Boston Winter Hill Gang basiert. Der Film aus dem Jahr 2006 verwandelt den Hongkong-Thriller in eine Bostoner Krimisaga, in der es um zwei Männer geht, die ein Doppelleben führen: Billy Costigan (Leonardo DiCaprio), einen verdeckten Ermittler, der die irische Mafia infiltriert, und Colin Sullivan (Matt Damon), einen Mafia-Maulwurf, der in die irische Mafia eindringt Massachusetts State Police. Im Hintergrund kontrollieren Gangsterboss Frank Costello (Jack Nicholson) und Captain Queenan (Martin Sheen) ihre jeweiligen Operationen, die nicht wie geplant verlaufen.
„Departed“ ist ein hervorragendes Beispiel für ein richtig gemachtes amerikanisches Remake. Es passt die Geschichte und Spannung nahtlos an und schafft gleichzeitig etwas völlig Neues in einer vertrauten Umgebung. In jeder Szene knistert die Spannung eines Lebens, das am seidenen Faden hängt, zumal die wahren Identitäten der Protagonisten immer kurz vor der Enthüllung stehen. Dies alles führt zu einem explosiven Bruchpunkt, der immer noch zu den schockierendsten Enden im Krimi-Genre zählt und den Film sofort zu einem der besten Werke von Martin Scorsese macht.
5. Casino Royale (2006)
Mit einer fesselnden Darbietung von Daniel Craig bei seinem Debüt als britischer Superspion markierte „Casino Royale“ einen klanglichen Wandel für die James-Bond -Reihe. Im Mittelpunkt des Films aus dem Jahr 2006 stehen Bonds frühe Tage als frischgebackener „00“-Agent, in denen er mit der Zerschlagung eines Terroristennetzwerks beauftragt wird. Um dies zu erreichen, beteiligt sich Bond an einem Pokerspiel mit hohen Einsätzen im Casino Royale in Montenegro, um Le Chiffre (Mads Mikkelsen), einen Finanzier des globalen Terrorismus, in den Bankrott zu treiben. Die britische Finanzministerin Vesper Lynd (Eva Green) arbeitet mit Bond zusammen und ihre Partnerschaft entwickelt sich bald zu einer komplizierten Romanze.
Weit entfernt von der Parodie von „Casino Royale“ aus dem Jahr 1967 ist die Adaption von Ian Flemings erstem Bond- Roman aus dem Jahr 2006 eine Neuerfindung der Filmreihe. Unter der Regie von Martin Campbell entledigt sich der ikonische Spion seiner üblichen Spielereien und Tapferkeit, um einen düstereren, menschlicheren 007 zu enthüllen. Dieses Remake hat das Lager früherer Filme über Bord geworfen und bietet eine düsterere und emotionalere Sicht auf den berühmtesten Geheimagenten der Welt.
4. Dune (2021) & Dune: Teil Zwei (2024)
Der gefeierte Filmemacher Denis Villeneuve erwies sich als perfekter Partner für die bekanntermaßen „unanpassbaren“ Science-Fiction-Romane von Frank Herbert. Dune aus dem Jahr 2021 und seine Fortsetzung aus dem Jahr 2024, Dune: Part Two , weben eine Saga epischen Ausmaßes, die in erster Linie einem jungen Adligen, Paul Atreides (Timothée Chalamet), folgt. Paul wird in ein gefährliches politisches Spiel verwickelt, als seine Familie die Kontrolle über Arrakis übernimmt, die einzige Quelle der unschätzbar wertvollen Gewürzmelange im Universum. Er beginnt eine Verschwörung zu vermuten, als er mehr über den mysteriösen Bene Gesserit, die örtlichen Fremen und die Feinde seines Vaters erfährt.
Wenn man die Filme mit David Lynchs dichter und unebener Version von 1984 vergleicht, wird deutlich, dass Villeneuves modernes Geschichtenerzählen und spektakuläre Bilder Herberts Vision wunderbar auf die große Leinwand übertragen. Die jüngsten Dune -Filme zeigen ein faszinierendes Universum, das weit in einer seltsamen und faszinierenden Zukunft angesiedelt ist. Vor allem für Science-Fiction-Fans könnten diese modernen Dune -Adaptionen der Höhepunkt des Genres sein und zeigen, wie viel sich verändert hat.
3. Das Ding (1982)
Der Film „The Thing“ von Regisseur John Carpenter spielt in der Antarktis und dreht sich um ein Forscherteam an einem abgelegenen Außenposten, das auf einen formverändernden Außerirdischen trifft, der in der Lage ist, seine Opfer perfekt nachzuahmen. Unter der Führung des Hubschrauberpiloten RJ MacReady (Kurt Russell) kämpft die Gruppe darum, die Kontrolle zu behalten, da sie einander misstrauen. Da die Außerirdischen einzeln ihren Außenposten infiltrieren, wird es chaotisch, da der Druck steigt, herauszufinden, wer kein Mensch mehr ist.
Das Ding aus einer anderen Welt (1951) nutzte John W. Campbells Novelle, um eine Allegorie des Kalten Krieges zu präsentieren, aber Carpenter verfolgt einen anderen Ansatz, indem er den Horror des Ausgangsmaterials voll und ganz aufgreift. Mit seinen bahnbrechenden Spezialeffekten zeigte es Body-Horror und groteske Szenarien auf beispiellose Weise. Das ist auch der Grund, warum es bei seiner Premiere kein Hit war und „The Thing“ erst später als einflussreicher Kultklassiker anerkannt wurde, der die Genres Science-Fiction und Horror neu prägte.
2. Narbengesicht (1983)
Al Pacino spielt den skrupellosen Tony Montana in einem der größten Gangsterfilme aller Zeiten , „Scarface“ aus dem Jahr 1983. Der Film spielt im Miami der 1980er Jahre und schildert Tonys Aufstieg und Fall, während er sich von einem mittellosen kubanischen Flüchtling zu einem gewalttätigen, überlebensgroßen Anführer des Drogenimperiums der Stadt entwickelt. Während Tonys Erfolg und seine Kontrolle über die Kokainindustrie zunehmen, wächst auch seine Obsession für Reichtum und Status. Seine Paranoia und sein Ego überwältigen ihn bald, und seine Fehler summieren sich schließlich und führen zu einem der blutigsten Höhepunkte in der Filmgeschichte.
Brian De Palmas „Scarface“ (1983) ist eine herrlich übertriebene Neuinterpretation der Version von Howard Hawks aus dem Jahr 1932, von der viele Fans vielleicht nicht einmal wissen. De Palmas Regie ist kompromisslos kühn und schildert den Überfluss und den moralischen Verfall der Ära mit dramatischem Flair. Obwohl „Scarface“ zunächst wegen seiner exzessiven Gewalt kritisiert wurde, ist es inzwischen zu einem kulturellen Phänomen geworden, das genau für diese unerschütterliche Perspektive gefeiert wird.
1. Der Zauberer von Oz (1939)
Der Zauberer von Oz (1939) von Regisseur Victor Fleming ist ein filmisches Wunderwerk und eine allseits beliebte Adaption des klassischen Romans von L. Frank Baum. Judy Garland liefert ihre beste Leistung in ihrer Karriere als Dorothy Gale ab, ein Bauernmädchen aus Kansas, das von einem Tornado in das magische Land Oz verschleppt wurde. Zusammen mit ihrem Hund Toto macht sie sich auf den Weg in die Smaragdstadt, um den titelgebenden Zauberer um Hilfe zu bitten, der ihr vielleicht den Wunsch erfüllen könnte, nach Hause zurückzukehren. Sie freundet sich auch mit der Vogelscheuche (Ray Bolger), dem Blechmann (Jack Haley) und dem feigen Löwen (Bert Lahr) an. Während die böse Hexe des Westens (Margaret Hamilton) plant, sie aufzuhalten, hält Dorothy an ihrem Fluchtversuch fest.
Die frühere Stummfilmadaption des Films aus dem Jahr 1925 wird selten mit Dorothys Geschichte in Verbindung gebracht, da es sich um den schillernden Film von 1939 handelt, der das moderne Fantasy-Kino neu definierte. Der Zauberer von Oz war nicht der erste, der Technicolor verwendete, aber er machte es durch einen legendären Moment populär, als Dorothy die Tür zu einer farbenfrohen Welt öffnete, was eine entscheidende Veränderung im Kino markierte. Mehrere Jahrzehnte später bleibt „Der Zauberer von Oz“ ein kultureller Prüfstein, dessen Erbe sich im Genre und in jüngsten Hits wie „Wicked“ widerspiegelt.