Die besten Filme von TIFF 2022

Dies war kein TIFF für die Ewigkeit, und das ist in Ordnung: Nicht jede Ausgabe dieses jährlichen Ausflugs mit mehr als einer Woche für Cinephile und Cine-Verkäufer wird eine Reihe von Meisterwerken bieten. Besonders in diesem Jahr reichte es aus, dass das Festival überhaupt stattfand und nach diesen zwei ungeraden Jahren der Fernbesuche mit voller Kraft zurückkehrte. Ich war froh, wieder auf dem Boden zu sein, zwischen der Scotiabank und der Lightbox zu rasen und eine regelmäßige Diät aus hastig gefressenem Fast Food durch gelegentliche gemütlichere Mahlzeiten mit Freunden zu ergänzen. Was wäre also, wenn das funkelnde Gedächtnisspiel von Steven Spielberg, das meine Kollegen in überschwängliche Pfützen schmelzen ließ, mich nur ein wenig kalt ließ? Ich musste es auf einer riesigen Leinwand sehen, um mich im Glanz des Theatererlebnisses zu sonnen. Auch wenn die Filme nicht so toll waren.

Und verstehen Sie mich nicht falsch: Viele der Filme waren fast großartig. Dies waren die besten, die ich in der vergangenen Woche gesehen habe – eine typisch vielseitige Sammlung von Cannes-Überbleibseln und Toronto-Weltpremieren, die mich in die ferne Vergangenheit und die nahe Zukunft, in den äußeren und inneren Weltraum und weit darüber hinaus entführten.

1. De Humani Corporis Fabrica
Der radikal neue Dokumentarfilm von Verena Paravel und Lucien Castaing-Taylor ( Leviathan , Caniba ) untersucht die Innereien mehrerer Pariser Krankenhäuser, rast durch die Blutströme ihrer Flure und erkundet die Persönlichkeiten ihrer Ärzte, bevor sie noch tiefer in das Körperwesen vordringt operiert. Für den Zimperlichen mag De Humani Corporis Fabrica wie eine Art Horrorfilm aussehen, der die matschigen privaten Funktionen des Gehirns, der Eingeweide und alles dazwischen mit einer Nahaufnahme zeigt, die außerhalb der medizinischen Fakultät selten zu sehen ist. Aber ich fand diese fantastische Reise heimlich bewegend, sowohl in der seltsamen Schönheit, die sie in der Architektur unserer inneren Lebenssysteme ausfindig macht, als auch im Rampenlicht, das sie auf die Männer und Frauen wirft, die diese Systeme für ihren Lebensunterhalt reparieren. Es zeigte mir die Welt auf eine Weise, die ich noch nie zuvor gesehen hatte.

2. Götterland
Ein dänischer Priester (Elliott Crosset Hove) begibt sich auf eine Pilgerreise durch das unwirtliche Island des 19. Jahrhunderts, damals eine Kolonie seiner Heimat, um beim Aufbau einer neuen Gemeinde zu helfen. Unterwegs verrät dieser schlanke, unbeholfene Reisende seine Schwächen als Mann und Mann Gottes und hegt langsam einen intensiven Groll gegen den Expeditionsführer (Ingvar Sigurðsson), sein genaues Gegenteil in schroffer Anpassungsfähigkeit, Mangel an intellektuellem Anspruch und schwankender Größe. Hlynur Pálmason lässt das faszinierend rätselhafte Trauerdrama „A White, White Day“ mit einer Odyssee durch die Wildnis fort, die ebenso interessiert ist an der Landschaft der Gedanken ihrer Charaktere – ihren Ängsten, ihren Wünschen, ihren kleinlichen Ressentiments – wie an der beeindruckenden Szenerie. Godland nimmt sich Zeit, aber ich habe jede Minute geschätzt, die ich in seiner lebhaft beschworenen alten Welt verbracht habe, in der Pálmason widersprüchliche Noten von Bitterkeit und Zärtlichkeit findet. Das größte Kompliment, das ich dem Film machen kann, ist, dass sein Porträt beschwerlicher Reisen mich an Kelly Reichardts düsteren Oater Meek's Cutoff erinnerte , den allerersten großartigen Film, den ich je in Toronto vor mehr als einem Jahrzehnt gesehen habe.

3. Entscheidung zu gehen
Park Chan-wooks neuester Film ist vielleicht der am wenigsten perverse Film, den der koreanische Sex- und Gewalt-Maestro hinter „ Oldboy and The Handmaiden “ jemals gedreht hat – eine Detektivgeschichte, die sich allmählich in ein Melodram über Verführung und unterdrücktes Verlangen verwandelt. Aber Park geht das Material mit einer ehrlich gesagt atemberaubenden Bandbreite an visueller Erfindungsgabe an und erhebt selbst die einfachsten Gespräche mit der Eleganz seiner Kompositionen und dem fließenden Fluss seiner Schnitte. Es ist sehr leicht zu sehen, wie er im vergangenen Sommer in Cannes als bester Regisseur ausgezeichnet wurde – Decision to Leave ist ein Paradebeispiel dafür, wie ein großartiger Filmemacher oft einen interessanten Weg findet, jeden einzelnen Moment seines Films zu inszenieren. Das Ass im Ärmel des Films ist derweil die bemerkenswerte Tang Wei, die eine emotional komplexe Variation der Femme Fatale vorführt, was vielleicht ihre beste Rolle seit Lust, Caution ist .

4. Aftersun
In einem türkischen Badeort genießen ein Vater und seine 11-jährige Tochter einen mehrtägigen Urlaub mit Entspannung am Pool, angenehmen Mahlzeiten und nächtlichem Karaoke. Allmählich wird klar, dass es sich um Erinnerungen handelt – kleine Momentaufnahmen einiger weniger bedeutsamer Tage aus der Vergangenheit einer Frau, umrahmt von einer starken rückwirkenden Melancholie, die der Film nicht explizit erklärt. Der Debütfilm von Charlotte Wells, eine weitere Cannes-Premiere (sehen wir hier ein Muster?), ist die Definition eines „kleinen“ Films, dessen Fokus nie über die weltlichen Freuden und subtilen emotionalen Qualen des Urlaubs hinausgeht, den er darstellt. Aber Wells hat ein großartiges Auge (hier gibt es einige unvergessliche Momente, wie ein Vater-Tochter-Gespräch, das zuerst von einer laufenden Videokamera aufgenommen wurde, dann im Spiegelbild des Fernsehers, nachdem die Kamera ausgeschaltet wurde) und ein großartiges Gespür dafür kleine Details einer Reise, die sich im Kopf einer Person summieren können und immer wieder umgedreht werden, bis sie sich zu einer persönlichen Legende verfestigt haben.

5. RMN
Cristian Mungiu, mit 4 Monaten, 3 Wochen und 2 Tagen berühmt, bleibt mein Favorit unter den rumänischen New-Wave-Filmemachern, zum Teil, weil er seine Filme wie tickende Zeitbomben der Spannung strukturiert. Sein neuestes Werk erzählt eine traurig zeitgemäße (und noch trauriger zeitlose) Geschichte über die eskalierende Rassenintoleranz in einem kleinen siebenbürgischen Dorf, das für seine europäische Vielfalt bekannt ist, aber niemanden so sehr akzeptiert, der seine Bevölkerung tatsächlich diversifizieren könnte. Die Kraft des Films kommt nicht nur von der empörten Wahrhaftigkeit seines Konflikts (ein Mikrokosmos für das, was in ganz Europa und so viel im Rest der Welt passiert), sondern auch von der Art und Weise, wie Mungiu auf mysteriöse Weise die weiß-nationalistische Tortur der Stadt mit dem Holzfäller parallelisiert Heldentaten seiner Hauptfigur, ein brodelnder Klumpen unartikulierter Wut, dessen Rolle im Verfahren betont unverbindlich bleibt. Die Kraft des Films mag darin liegen, wie sich diese beiden Geschichten überschneiden und wie sie sich weigern.

6. Die Banshees von Inisherin
Martin McDonagh lässt den würzigen Außenseiterblick des amerikanischen Südwestens seines spalterischen Three Billboards Outside Ebbing, Missouri , hinter sich und kehrt in seine Heimat Irland zurück, frönt aber einmal mehr seiner Affinität für intensive Kopfstöße. In diesem Fall spielt sich der Konflikt zwischen zwei Freunden auf einer kleinen fiktiven Insel ab, als einer von ihnen (Brendan Gleeson) plötzlich und unprovoziert beschließt, dass er nichts mehr mit dem anderen (Colin Farrell) zu tun haben will, und sich auf die Spitze treiben wird sich in der Sache verständlich zu machen. Dieses Wiedersehen in Brügge sorgt für enorme Lacher, viele davon mit freundlicher Genehmigung von Farrell, und demonstriert einmal mehr, was für ein spät entdecktes Talent er hat, traurige Sackverlierer zu spielen. Aber die inspirierte Comic-Prämisse des Films enthält Quellen des Schmerzes (wäre es nicht schmerzlich, ohne Vorwarnung zu erfahren, dass Ihr bester Freund Sie nicht mehr ausstehen kann?) Und McDonagh verwendet sie, um die größeren Kräfte des Bürgerkriegs sanft widerzuspiegeln Land für sich, direkt hinter den Grenzen einer trügerisch idyllischen Gemeinde.

7. Glaszwiebel
Kritiker würden sich nicht so sehr über Hollywoods Franchise-Sucht beschweren, wenn die IP-Blockbuster, die sie ausspuckt, alle so flink und spannend wären wie Rian Johnsons Benoit Blanc-Mysterien. Glass Onion , sein zweiter von Stars angetriebener Krimi, ist nicht ganz so elegant oder beeinflusst eine Subversion des Genres wie sein erster, Knives Out . Aber es macht trotzdem erstklassigen Spaß, besonders wenn Johnson anfängt, seine Geschichte zu verdoppeln und die verborgenen Schichten von Motiven und Ausflüchten enthüllt, die hinter einem hinterhältig mühsamen Eröffnungsakt lauern. Die Anziehungskraft dieser Filme ist gleichzeitig altmodisch und neu und erfindet eine zeitlose Gummischuh-Tradition durch die stählerne Falle von Johnsons Puzzlebox-Fantasie und die Klarheit seiner Klassenpolitik neu.

8. Wikinger
Acht Jahre nachdem er mit seiner schmerzhaft guten Coming-of-Age-Komödie Tu dors Nicole für einen kleinen Aufruhr bei TIFF gesorgt hat, kehrt Autor und Regisseur Stéphane Lafleur mit einem toten Juwel über eine seltsame Simulation zurück: Während ein bemanntes Schiff zum Mars aufbricht, leben fünf Menschen auf der Erde – jeweils aufgrund ihrer emotionalen und psychologischen Ähnlichkeit mit einem der Astronauten auf dem Weg zum Roten Planeten ausgewählt – versuchen, die tatsächlichen Konflikte, die zwischen ihren Kollegen im Weltraum entstehen oder wahrscheinlich entstehen, vorherzusehen und zu beheben. Lafleur spielt das Szenario für absurde Lacher, während er eine tiefe Neugier darüber zeigt, wie wir alle mit unseren emotionalen Reaktionen auf alles umgehen und versuchen, diese zu antizipieren. Man könnte sich eine hirnverbiegendere Behandlung der Prämisse vorstellen, aber ich war ziemlich angetan von dieser zurückhaltenden Einstellung, die auch als Lafleurs Kommentar zur grundlegenden Absurdität des Filmemachens dienen könnte.

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