Elvis-Rezension: Baz Luhrmanns lächerliches, erhabenes Biopic

Als wir zum ersten Mal einen guten Blick auf die Titelfigur von Baz Luhrmanns koffeinhaltigem Wikipedia-Spektakel, Elvis , werfen, tritt er aus dem Schatten auf eine Bühne in Louisiana, bereit, vor einer Menge aufzutreten, die völlig ahnungslos ist, dass sie dabei sein werden Krönung des zukünftigen King of Rock 'n' Roll. Von den Schultern bis zu den Knöcheln in Pink gekleidet, zögert der 19-jährige Frauenschwarm, und das Publikum, das Blut riecht, schimpft ihn an. Aber dann startet Elvis Presley (Austin Butler) mit den Eröffnungsnoten seines ersten nationalen Hits, Baby, Let's Play House , und während er schnallt und klimpert, ruckelt und stößt sein Körper. Er bewegt sich wie vom Blitz getroffen, und der elektrische Strom fließt durch den ganzen Veranstaltungsort und rüttelt die anwesenden jungen Frauen wach, deren Libido sofort durch seine suggestiven Landpredigerbewegungen entfacht wird.

Zu viele Biografien, um sie zu zählen, enthalten einen Star-is-born-Moment wie diesen. Aber Luhrmann, der unbändige Karnevals-Fresser hinter Moulin Rouge und The Great Gatsby , inszeniert die Sequenz mit einem Höllzapoppin-Flair, das sie über das Klischee hinaus zur Parodie und dann noch darüber hinaus zu einem Fieber der Cartoon-Hysterie treibt. Ein Donnerschlag der E-Gitarre verschönert den Song und opfert den historischen Realismus auf dem Altar des äraübergreifenden Arena-Rock-Glanzes. Und die Mädchen schreien nicht nur. Sie explodieren in einer Art unwillkürlicher Verzückung, als wären sie vom Geist von Presleys rohem, tierischem Magnetismus besessen. Luhrmann lädt eine Stock-Musik-Drama-Konvention auf und greift nach den Höhen des Mythos: Der Aufstieg eines Radiogottes als sexuelle Ein-Mann-Revolution, die den gesamten aufgestauten Frust der amerikanischen Jugend freisetzt und dabei die Geschichte halbiert.

Diese Art von Energie dominiert Elvis . Auf dem Papier ist der Film ein reines biografisches Musterbeispiel, das 25 Jahre Stichpunkte im Leben und in der Karriere des meistverkauften Solokünstlers aller Zeiten verbindet. Dabei ist Luhrmann kein Buchhalter oder Hall-of-Fame-Historiker. Von Anfang an versetzt er das Musikbiopic in einen wahnsinnigen Wirbel, karikiert seine vertrauten Beats und geht seine Verpflichtungen durch eine Scrapbook-Collage aus Schlagzeilen und Crowdshots und Split-Screen-Action an. Elvis ist aufgebaut wie ein fast dreistündiges Sizzle Reel. Es hat weniger Szenen als Suiten. Es bewegt sich .

Luhrmanns MTV-Overdrive-Ansatz könnte ebenso strategisch wie pathologisch sein. Elvis kann nur mit Warp-Geschwindigkeit alle Bereiche abdecken, die er abdecken muss, und Elemente seiner jahrzehntelangen wahren Geschichte durch Implikationen und Kurzschrift erzählen. Der Aufstieg zum Ruhm. Der Kampf gegen skandalisierte moralische Schelten. Die anschließende Gegenreaktion auf den kompromittierten, pastorenfreundlichen Elvis, der im Grunde der umgekehrte Dylan-goes-electric-Moment des Sängers ist. Elvis rast durch alles hindurch. In der Zwischenzeit wird die Karriere des Königs in Hollywood auf eine einzige, stilvolle Technicolor-Montage reduziert. Sein Dienst im Ausland entfällt vollständig.

Soweit diese maximalistische Graceland-Revue ein dramatisches Zentrum hat, ist es die anfänglich symbiotische, zunehmend parasitäre Beziehung zwischen Elvis und seinem berüchtigt ausbeuterischen Manager, Colonel Tom Parker (Tom Hanks). Das Drehbuch, ein offensichtliches Patchwork aus Entwürfen von Luhrmann und anderen, beginnt die Geschichte damit, dass Parker den Superstar in einem embryonalen Stadium wittert. (Seine Entdeckung, dass die Millionen-Dollar-Stimme im Radio einem Weißen gehört, wird von einem urkomischen Schmetter-Zoom in Hanks' Gesicht begleitet, das von einer falschen Nase getarnt und von Schock und der Lust auf Gelegenheiten belebt wird). Am Ende verführt Parker Elvis zu einem Vertrag auf dem Messegelände und gibt seinen faustischen Pitch auf der Spitze eines Riesenrads ab. Unter anderem ist dies eine Geschichte der verlorenen Unschuld: Eine Montage vieler Kreuzschnitte, in der Elvis seine Jungfräulichkeit verliert, mit Aufnahmen seiner Mutter, die sich ärgert.

Was Parker berechnete, war das immense kommerzielle Potenzial in Presleys Kulturgeier, die Art und Weise, wie er den Sound und die Bewegungen der schwarzen Künstler, die er in seiner Jugend hörte, für ein weißes Publikum neu verpackte. Elvis stellt diesen Aspekt der „Vom Tellerwäscher zum Millionär“-Geschichte des Musikers natürlich in den Vordergrund und faltet ihn sogar in die Walk-Hard – Tropen, die er mit Energie versorgt: Als der King auf die Bühne stolziert, schneidet Luhrmann auf Aufnahmen eines jugendlichen Presley, der eine Scheunenaufführung von Arthur ausspioniert. Big Boy“ Crudup , ein echter Anwärter auf den Titel des Vaters des Rock 'n' Roll. Später zeigt eine aufregend zusammengestellte Sequenz Elvis, der buchstäblich zwischen dem weißen und dem schwarzen Amerika spaziert, zu Hause auf dem Rasen einer Plantage und in der Beale Street. Der Film erfasst die wahre Bedrohung, die die Konservativen in Elvis sahen – ihre Angst nicht nur vor seiner übertriebenen Sexualität, sondern auch vor der schwarzen Kultur, von der er lukrativ profitierte.

Parker erzählt den Film und besteht wiederholt darauf, dass Elvis' schließlicher Niedergang und Tod ein Produkt seiner unermüdlichen Hingabe waren, eine Show zu veranstalten, auch wenn das, was wir sehen, die Schuld eher der hinterhältigen, kontrollierenden Führung seines Managers zuschreibt. Das ist ein potenziell genialer Winkel, um die Geschichte um die unzuverlässigen Ablenkungen ihres Bösewichts herum zu gestalten. Hanks ist jedoch ungewöhnlich, fast beeindruckend grausam in der Rolle. Das Casting macht theoretisch Sinn und macht den essentiellen väterlichen Anstand unseres vertrauenswürdigsten Hollywoodstars zu einer Manipulationstaktik. Aber selbst ein so unverschämt gesteigerter Film kann die Fatsuit-Absurdität von Hanks' Auftritt nicht unterstützen, der das gruselige Austin-Powers – Make-up mit einem wahrhaft bizarren, nordischen Vaudeville-Akzent verbindet, der fast nicht so klingt, wie der echte Mann wirklich spricht. Hanks ist einfach zu lächerlich, um ihn hier ernst zu nehmen, und seine Szenen bringen den Film gefährlich nahe an eine Sketch-Comedy heran.

Butler, der durch eine wechselnde Garderobe berühmter modischer Aufmachungen stark schwitzt, ergeht es besser als The King. Es ist eine Print-the-Legend-Performance, alles Prahlerei und Pinup-Boy-Gehabe, mit viel mehr Attitüde – und Sexappeal – als Psychologie. Aber das passt zu einem Biopic mit einem größeren Interesse an der seismischen Legende von Elvis als daran, wer er wirklich war, unter all dem Supernova-Charisma und den paillettenbesetzten weißen Overalls. Dass Butler manchmal nicht so sehr Elvis ähnelt, sondern eine Reihe von Strohfeuer-Acts, die dem Stil des Künstlers verpflichtet sind, verstärkt nur Luhrmanns implizite Konzeption der Rockgeschichte als eines Telefonspiels, das die Originalstimme mit jeder neuen Lieferung oder Generation verzerrt.

Elvis ist überall, behauptet der Film – eine Idee, die er durch einen Soundtrack kommuniziert, der langsamer wird und große Hits wie „Fools Rush In“ ausstrahlt und sie zu einer Reihe geisterhafter Hymnen remixt, die aus dem Bewusstsein der Popkultur widerhallen. Der Direktor des Moulin Rouge hat natürlich auch seine Jukebox mit anachronistischen Nadeltropfen gefüllt und wechselt Hip-Hop mit modernen Coverversionen von The King, um zu unterstreichen, dass Elvis' ursprünglicher Akt der Aneignung nur ein Kapitel auf dem verschlungenen Weg der amerikanischen Popmusik ist. Es ist eine erfolgreicher gezogene Verbindung als die zahlreichen Versuche des Films, Elvis vor dem turbulenten Hintergrund der Eilmeldungen aus der Mitte des Jahrhunderts zu platzieren. Vielleicht ist Hanks wirklich in der Nähe, um die Forrest-Gump -Assoziationen eines Drehbuchs zu stärken, das regelmäßig zu einem Fernsehgerät wandert und über die Attentate berichtet wird.

Nach mehr als zwei Stunden unerbittlicher Supercut-Zusammenfassung verlangsamt sich der Film und geht ihm die Puste aus. Ein wesentlicher Bestandteil der Elvis-Geschichte ist der Untergangsteil davon – diese letzten unwürdigen Jahre in Vegas, als dem Mann die Comebacks ausgingen, er süchtig nach Pillen wurde und ein Gefangener seiner Casino-Residenz und des Lastergriffs wurde, den Parker an seinem hatte Brieftasche. Hier muss die Handlung hin, aber indem er den letzten Akt dieses Lebens pflichtbewusst dramatisiert, saugt Luhrmann den ganzen wilden Menschen-Enthusiasmus aus seinem Material. Der letzte Akt ist ein mühsamer Absturz in ein tragisch vorweggenommenes Ende, gekrönt von obligatorischem Archivmaterial.

Wo es vorher lebendig wird, ist auf der Bühne. Hier verbindet sich Butlers schwüle Kostümparty-Annäherung an eine Koryphäe mit Luhrmanns sekundenschneller Rastlosigkeit zu so etwas wie einem Denkmal für die Mythologie von Elvis. Der Film kommt für so viel seiner aufgeblähten Laufzeit mit der ekstatischen, tollkühnen Träumerei seiner Showmanier aus – der Art und Weise, wie er die stampfende Bühnenpräsenz des Königs durch einen atemlosen Ansturm von Bild und Ton kanalisiert und versucht, das Publikum mitzureißen Raserei, die Elvis in seinem eigenen Leben inspirierte. Wie, so Luhrmanns Wette, können wir das Leben dieser monumentalen, destabilisierenden Figur an etwas weniger als einer schwindelerregenden Extravaganz messen? Hier und da zahlt sich das Übermaß an Vision aus und wechselt von anstrengend zu berauschend.

Elvis startet am Freitag, den 24. Juni überall in den Kinos . Weitere Rezensionen und Texte von AA Dowd finden Sie auf seiner Autorenseite .