Haben Originalregisseure eine Zukunft in Hollywood?
Bei den 94. Oscar-Verleihungen gewann Denis Villeneuves ehrgeizige Adaption von Frank Herberts herausforderndem Sci-Fi-Meisterwerk, Dune , sechs Oscars , die meisten von allen Filmen der Preisverleihung. Seit seiner Premiere im vergangenen Oktober hat Dune nahezu universellen Beifall von Kritikern und Zuschauern erhalten, die es als eines der besten Science-Fiction-Epen des neuen Jahrtausends lobten, gleichauf mit Goerge Millers Mad Max: Fury Road und Christopher Nolans Inception .
Villeneuve ist kein Unbekannter für gewagte, zum Nachdenken anregende und von der Kritik gefeierte Filme. 2016 erschien Arrival , eines der herausforderndsten, philosophischsten und schönsten Sci-Fi-Stücke der jüngeren Vergangenheit. Im folgenden Jahr wurde Blade Runner 2049 , sein Neo-Noir-Nachfolger des Klassikers Blade Runner von 1982 , von allen Kritikern gelobt, aber kommerziell enttäuscht und spielte nur 259 Millionen US-Dollar ein, bei einem Produktionsbudget zwischen 150 und 185 Millionen US-Dollar. Obwohl er ein erzählerisch versierter und technisch versierter Regisseur war, stellten viele Villeneuves kommerzielle Realisierbarkeit in Frage; Dune spielte jedoch trotz einer Day-and-Date-Veröffentlichung in HBO Max und einer anhaltenden Pandemie weltweit 400 Millionen US -Dollar ein. Dune mischte kommerziellen und kritischen Erfolg und räumte schließlich alle Fragen zu Villeneuves Ansehen als einem der größten Regisseure der Branche aus.
Ehrgeiz zu einem Fehler
Denis Villeneuve ist das perfekte Beispiel für einen Autorenfilmer, der immer wieder herausfordernde und introspektive Stücke liefert, die nicht immer den Geschmack des Publikums treffen. Die kommerzielle Popularität seiner Filme spiegelt nicht unbedingt ihre Qualität oder filmische Bedeutung wider, aber sie bieten einen interessanten Einblick in den Geschmack und das Verhalten des Publikums.
In den letzten Jahren hat das Publikum einen Anstieg von Autoren-Blockbustern erlebt. Basierend auf beliebten und nachgefragten IPs tragen diese Filme im Guten wie im Schlechten die unverwechselbare Handschrift ihrer Regisseure. Bestenfalls stellen sie den nächsten Schritt in der Blockbuster-Ausführung dar; Sie sind unverwechselbar, innovativ, frisch, visuell auffallend und thematisch ansprechend. Sie geben sich nicht mit der einfachen Botschaft zufrieden und haben keine Angst davor, Genres zu mischen, und obwohl sie Spieler nicht immer belohnen, sind sie fast immer kritische Lieblinge. Im schlimmsten Fall wirken sie als unaufrichtig und prätentiös, unnötig komplizierte Stücke, die sich in ihrer Selbstgefälligkeit verlieren, Eitelkeitsprojekte mit Filmemachern, die in einer Too-big-to-fail-Ideologie versunken sind, die von einer Industrie verstärkt wird, die nicht zögert, sie zu zerreißen beim kleinsten Zeichen von Schwäche niedergeschlagen. Für jede Dune gibt es The Matrix Resurrections .
Es ist faszinierend, sich diese beiden Filme anzusehen und zu vergleichen, da sie beide von Warner Bros. stammen und auf notorisch anspruchsvollen und nicht besonders zuschauerfreundlichen Eigenschaften basieren. Dune geht jedoch Kompromisse ein und bietet genug visuelles Spektakel für Sci-Fi-Fans, ohne die bekanntermaßen heftigen Themen des Ausgangsmaterials zu vernachlässigen. Indem einige Aspekte des absichtlich anspruchsvollen Inhalts des Romans geopfert werden, verwandelt sich Dune in einen filmischen Triumph, der vielschichtig ist und gleichzeitig für das Publikum ausreichend zugänglich bleibt, um es zu verdauen.
The Matrix Resurrections geht in die andere Richtung und fordert sein eifriges Publikum offen heraus und verärgert es sogar. Der Film macht sich über seine bloße Existenz lustig, und obwohl er die Fürsorge und Liebe für seine Charaktere beibehält, kann er nicht anders, als sich wie eine Spucke im Gesicht des Publikums anzufühlen, das er zu unterhalten vorgibt. Es ist ein tapferer und sogar bewundernswerter Schachzug von Autorin/Regisseurin Lana Wachowski, besonders nachdem Warner Bros. jahrelang damit gedroht hat, das Franchise ohne die Beteiligung von ihr oder ihrer Schwester fortzusetzen ; leider ging der Umzug nach hinten los. Resurrections war eine Kassenbombe, die bei einem Produktionsbudget von 190 Millionen Dollar nur 156,6 Millionen Dollar einspielte . Die Kritiken waren gemischt, viele lobten Wachowskis ausgeprägte Stimme und kompromisslose Ernsthaftigkeit, und andere behaupteten, der Film sei seinem treuen Publikum gegenüber unnötig unsympathisch.
Resurrections ist unverfroren Wachowski. Das Markenzeichen des Filmemachers zieht sich durch den ganzen Film und trägt zu seiner Spaltung bei. In der Tat liefert Wachowski einen Film ab, der sich selbst und damit auch das Interesse des Publikums an ihm beschimpft. Resurrections kritisiert offen die aktuelle Filmkultur, beschämt den Franchise-Kult und fordert dasselbe von seinem Publikum, während es durch seine unverhohlene Liebe zu Neo und Trinity immer noch Sentimentalität fördert. Das Ergebnis ist ein unberechenbares und etwas irritierendes Stück, das versucht, seinen Kuchen zu haben und ihn auch zu essen.
Die Gefahren, keine Kompromisse einzugehen
Wachowski ist kaum der einzige Regisseur, der dem Ehrgeiz freien Lauf lässt. Der Science-Fiction-Maestro Christopher Nolan erlebte etwas Ähnliches mit Tenet , einer 200-Millionen-Dollar-Übung im Überschuss. Tenet ist Nolan in seinem Nolan-est; alles ist größer, lauter, schneller und weniger zugänglich. Der Regisseur war schon immer gewagt mit seinen Themen und Ideen, aber Tenet findet ihn am prätentiössten und am wenigsten sympathisch, als er einen Film fertigt, der sich in einem Durcheinander mutiger, aber unterentwickelter Ideen verliert. Nolans Reichweite hat seine Reichweite immer überschritten, aber Tenet zeigt einen bemerkenswerten Mangel an Selbstbewusstsein von einem Regisseur, der viele für zu groß hielt, um zu scheitern.
Wie Resurrections waren die Kritiken für Tenet gemischt und unentschlossen. Einige lobten Nolans handwerkliches Geschick und sein unerschütterliches Engagement für zerebrale Spektakel, während andere in Frage stellten, ob der Regisseur überhaupt wusste, was er mit dem Film sagen wollte. Die gemischte kritische Aufnahme, gepaart mit Nolans Beharren auf einer exklusiven Kinoveröffentlichung auf dem Höhepunkt der Pandemie, bedeutete, dass Tenet eine Enttäuschung an den Kinokassen war und 363,3 Millionen US-Dollar bei einem Produktionsbudget von 200 Millionen US-Dollar einspielte. Die Kasse des Films könnte Warners Entscheidung beeinflusst haben, seine gesamte Liste von Filmen aus dem Jahr 2021 tagtäglich auf HBO Max zu veröffentlichen, was wiederum dazu führte, dass Nolan sich nach mehr als 20 Jahren vom Studio trennte, obwohl das eine ganz andere Geschichte ist.
Wie Nolan kämpfen viele Autoren darum, einen Mittelweg zwischen ihrer unverwechselbaren Vision und dem Geschmack des Mainstream-Publikums zu finden. Nach seinem kommerziellen Erfolg mit Black Swan erhielt Darren Aronofsky grünes Licht und 160 Millionen Dollar , um sein ehrgeiziges biblisches Epos Noah zum Leben zu erwecken. Der Film polarisierte das Publikum, obwohl er von Kritikern überwiegend positive Kritiken erhielt. Sein Follow-up – die aus den Fugen geratene und kompromisslose Mutter! – war noch spaltender und festigte ihn als einen der größten Provokateure des Kinos.
Horrorautoren wie Ari Aster und Robert Eggers liefern oft zutiefst befremdliche Filme, die beim Publikum eine leidenschaftliche, wenn auch selten positive Reaktion hervorrufen. Filmliebhaber verehren sie, aber das Mainstream-Publikum lehnt ihre Intensität und bewusste Provokation offen ab. Eggers' jüngster Film, The Northman , trug eine Produktionsmarke von 70 Millionen Dollar, spielte aber an den weltweiten Kinokassen nur 64 Millionen Dollar ein. Und obwohl es viele Gründe für die finanzielle Enttäuschung des Films gibt – darunter das Fehlen eines echten, bankfähigen Stars in der Hauptrolle, half Eggers' esoterischer Ruf sicherlich nicht.
Und doch ist The Northman ein Film, der so episch wie möglich ist, ein wahrhaft fesselndes Erlebnis, das ebenso brutal wie bewegend ist; Es ist auch sein bisher „kommerziellster“ Film und konnte sich dennoch nicht kommerziell durchsetzen. Eggers wird in absehbarer Zeit keinem großen Franchise beitreten – wohlgemerkt, er sollte es nicht tun –, aber was bedeutet die Enttäuschung an den Kinokassen von The Northman für seine zukünftigen Bemühungen als Regisseur? Sein Nosferatu -Film scheint in der Entwicklungshölle festzustecken, und wird nach The Witch , The Lighthouse und The Northman irgendein Studio bereit sein, seine Marke ambitionierter Arthouse-Produktionen zu unterstützen?
Super Autoren
Autorenfilmer haben im Superhelden-Genre eine neue Heimat gefunden. Spuren dieser unwahrscheinlichen Ehe gehen auf Sam Raimis bahnbrechende Spider-Man- Trilogie und Nolans düstere und hyperrealistische Version des Dunklen Ritters zurück. Vor kurzem haben Marvel und DC besonderes Interesse daran gezeigt, angesehene Regisseure in ihren jeweiligen filmischen Universen vorzustellen. Matt Reeves' The Batman hat den Caped Crusader nach dem bitteren Nachgeschmack von Batman gegen Superman und Justice League erfolgreich wiederbelebt. Der Film lässt jede Spur von absurden heroischen Spielereien zugunsten eines Fincher-ähnlichen Thrillers hinter sich, der funktioniert, weil er Batman endlich als den größten Detektiv der Welt präsentiert. The Batman balanciert schwere Themen aus, ohne jemals mit seiner Untersuchung über Bord zu gehen, und gestaltet die Fledermaus als Symbol der Hoffnung neu, weg von dem zunehmend dunklen Weg, auf dem Nolan und Zack Snyder ihn geführt haben.
Marvels Einfälle in das Gebiet der Autoren waren weniger erfolgreich. Chloé Zhaos Eternals bemühte sich, den naturalistischen und humanistischen Ansatz des Regisseurs mit der Worldbuilding-Fabrik des MCU in Einklang zu bringen, und lieferte einen uneinheitlichen Film ab, der nie ganz erfüllt, was er verspricht. In ähnlicher Weise bietet Sam Raimis Doctor Strange in the Multiverse of Madness alles, was Fans von einer Raimi-Produktion erwarten – tatsächlich wird der Stil des Regisseurs sogar noch deutlicher gegenüber der standardisierten Formel des MCU, selbst in seiner zurückhaltendsten Form –, schaffte es jedoch nicht, eine logische Weiterentwicklung zwischen ihnen zu schaffen Geschichtenerzählen und Marvels sich ständig ändernder Kanon.
Und dann ist da noch James Gunn. Es mag großzügig sein, ihn als Autorenfilmer zu bezeichnen, aber das Werk des Regisseurs wird diesem Begriff gerecht. Gunn hatte großen kritischen und kommerziellen Erfolg mit den Guardians of the Galaxy bei Marvel, indem er das, was früher ein B-List-Anwesen war, in eine der Säulen der MCU und die Grundlage ihrer kosmischen Ecke verwandelte. Seine Arbeit bei DC – hemmungslos und kompromisslos, unterstützt durch das R-Rating, das Marvel ihm niemals geben wird – erhielt allgemeine Kritikerlob. Tatsächlich sind The Suicide Squad und Peacemaker die erfrischend subversivsten Einträge im DCEU und zwei der besten Comic-Adaptionen aller Zeiten. Dennoch scheint das Publikum über seine mutigere Seite gespalten zu sein; The Suicide Squad war eine Enttäuschung an den Kinokassen , besonders im Inland. Peacemaker wird für eine zweite Staffel zurückkehren, aber die berüchtigt geheimnisvollen Zahlen von HBO Max machen es schwer, es für einen Erfolg zu erklären.
Eine ungewisse Zukunft für Autorenblockbuster
Mit dem Superhelden-Genre, das jeden Winkel der Popkultur-Landschaft dominiert und Franchises zur Tagesordnung werden, ist dies der neue Weg für Autorenfilme mit großem Budget? Können wir Quentin Tarantinos lang gemunkelten Star Trek -Film eher früher als später erwarten? Wird Terry Gilliam in eine weit, weit entfernte Galaxie reisen oder wird Michael Haneke die Fantastischen Vier in ein erschütterndes Familiendrama verwandeln? Vernichte den Gedanken. Es ist wirklich beängstigend zu glauben, dass das Filmgeschäft in diese Richtung geht. Wenn The Northman nicht einmal sein Budget wieder hereingeholt hat, während Spider-Man: No Way Home fast 2 Milliarden Dollar einspielte, was wird dann ein Studio-Manager unterstützen?
An kommerziellen Filmen ist nichts auszusetzen. Sie bieten den dringend benötigten Eskapismus in einer Welt, in der düstere Nachrichten an der Tagesordnung sind. Aber wenn sich die kommerzielle Landschaft verschiebt, um nur das sicherste und grundlegendste Geschichtenerzählen zu belohnen, gibt es dann Raum für etwas, das mit der Form bricht? Es sollte sein. Es wird immer ein Publikum geben, das in etwas so Brutales wie The Northman investiert; Die Frage ist, sollte ein Film mit einem solchen Nischenziel ein Budget von 70 Millionen Dollar erfordern? Es geht nicht darum, „für wen ist dieser Film?“ weil Kunst sich nicht rechtfertigen muss; Die Filmindustrie ist immer noch größtenteils ein Unterhaltungsgeschäft, und das zu leugnen, ist ein dummer Auftrag.
Nicht alle Filme können Dune sein; tatsächlich ist es die Ausnahme, nicht die Regel. Aber die Industrie muss die ehrgeizigsten Bemühungen von Autoren unterstützen, denn das macht sie zu Autoren. Im Gegenzug müssen sie ihr Publikum auf halbem Weg treffen, insbesondere wenn sie ein Budget von 70 Millionen US-Dollar haben möchten, um ihre Vision zum Leben zu erwecken. Everything Everywhere All at Once ist das perfekte Beispiel für einen ehrgeizigen und vielschichtigen Film, der unbestreitbar unterhaltsam ist und gleichzeitig reich und berührend bleibt und es schafft, den Durchbruch beim Mainstream-Publikum zu schaffen. Kompromisse sind entscheidend für eine gesunde Existenz; Wie sich herausstellt, könnte es auch der Schlüssel zu kommerziell erfolgreichem Autorenfilm sein. Was für ein Konzept.