Das Toronto Film Fest 2022 beginnt mit einem mild inspirierenden Netflix-Biopic

Wenn man jemals einen Beweis brauchte, dass die Welt unbedingt zu „The Way Things were were“ zurückkehren möchte, könnte man ihn in den Öffnungszeiten des Toronto International Film Festival finden. Es ist praktisch das offizielle Thema des 47. Jahres des Festivals, seiner ersten vollständig persönlichen Ausgabe seit Beginn der Pandemie im Jahr 2020. „Die Filme sind zurück und wir auch“ ist das Motto, das in so vielen Worten von den Üblichen geschrien wird Rolle von Prescreening-Stoßstangen und die Programmierer, die Stufen überqueren, um jede neue Auswahl vorzustellen.

Diese Botschaft spiegelte sich in einer allgemeinen Freude wider, die wie ein elektrischer Strom durch jeden Veranstaltungsort, jede Lobby und jede Leitung floss. Alle scheinen hocherfreut, zurück zu sein – und bereit, so zu tun, als sei alles beim Alten, bei Nordamerikas größtem jährlichen Treffen von Filmliebhabern. Wir hoffen natürlich, dass sich in diesem Meer aus grinsenden, meist maskenlosen Gesichtern nur Aufregung wild ausbreitet; Das Fehlen von Mandaten ist ein weniger ermutigendes Beispiel für den Wunsch aller, zu feiern, als wäre es 2019.

Trotzdem bin ich auch gespannt. Nach zwei „hybriden“ Jahren, in denen ich das Festival virtuell aus der Sicherheit und dem Komfort meines Wohnzimmers erlebt habe, ist es gut , wieder auf dem Boden zu sein und alle Traditionen des Festivals noch einmal greifbar zu machen. Die Mahlzeiten mit Freunden sieht man nur ein paar Mal im Jahr oder noch seltener in diesen ungewöhnlichen Zeiten. Die Spaziergänge durch Toronto Avenues, die sich über lange Strecken in abgedunkelten Auditorien aufteilen. Und der einzigartigste Ritus des TIFF-Durchgangs: Das Hinaufsteigen dieser endlosen, oft in Betrieb befindlichen Rolltreppe in der Scotiabank, die die Tendenz hat, – in den unsterblichen Worten von Mitch Hedberg – zu Treppen zu werden.

Und natürlich ist es erstaunlich, wieder so viele Filme auf einer großen Leinwand projiziert zu sehen; Ich würde gerne die Stufen eines Wolkenkratzers hinaufsteigen, um zu einer Reihe von Wartesitzen an der Spitze zu gelangen. Die Faszination des vorübergehend ruhenden Kinoerlebnisses fand seinen Weg in die Eröffnungsrede von Cameron Bailey, dem ewig souveränen CEO des Festivals und Ein-Mann-Botschafter der Schmeichelei. („Das beste Filmpublikum der Welt“ hat er uns alle gestern Abend genannt, was mich an Waylon Smithers hinter dem Mikro bei der Monstertruck-Rallye denken ließ: „Sie sind bereits hier, wir müssen sie nicht behalten sie so zu schubsen.“)

Die Ironie all dieser „Zurück ins Kino“-Cheerleading besteht darin, dass das Festival nicht zum ersten Mal einen Netflix -Film als Eröffnungsauswahl ausgewählt hat. Abgesehen von der Bedrohung, die der Streaming-Gigant aktiv für Kinos darstellt, wurde der Film selbst, The Swimmers , unansehnlich auf die riesige Leinwand der Roy Thomson Hall projiziert. So hell und flach wie eine Postkarte, erinnerte die Kinematografie an weniger prestigeträchtige Produktionen wie The Kissing Booth und trug hilfreich zu einer einheitlichen Theorie der „Netflix-Ästhetik“ bei. Jedes Bild sieht so aus, als wäre es aufgenommen worden, um möglicherweise als Miniaturansicht der Vorschau zu dienen.

Der Film ist genauso dramatisch texturlos. Es erzählt die wahre Geschichte der Schwestern Yusra und Sara Mardini, jugendliche Schwimmchampions aus Damaskus, Syrien, deren Träume von einer Teilnahme an den Olympischen Spielen Mitte der 2010er Jahre durch den Syrienkrieg zerstört wurden. Schließlich flohen die beiden nach Deutschland, in der Hoffnung, der Gewalt zu entkommen und ihre sportlichen Ambitionen weiter zu verfolgen. Die Reise würde sie über Land und Meer führen, durch mehrere Länder, in denen ihr Leben und ihre Freiheit häufig bedroht waren, bis … nun, Sie wissen entweder, wie diese wahre Geschichte der Beharrlichkeit endete, oder Sie wissen es nicht. Ich lasse Wikipedia das erhebende Fazit verderben.

Man muss herzlos sein, um sich nicht von den Details der Notlage der Mardini-Schwestern bewegen zu lassen, aber auch sehr nachsichtig, um zu ignorieren, was Autorin und Regisseurin Sally El Hosaini ( My Brother the Devil ) für einen höflich tugendhaften Bericht aus ihnen gemacht hat keine besondere Perspektive über einfache Bewunderung hinaus. Sie verteilt immer wieder kleine inspirierende Momente auf dem Weg, wie ein olympischer Teilnehmer, der im Pool Luft schnappt; man fragt sich, ob diese inkongruenten Popmusik-Montagen algorithmisch vorgeschrieben wurden, da sie sich wie Zugeständnisse an die Annahme anfühlen, dass Abonnenten wegklicken werden, wenn sie über zweieinhalb Stunden mit zu viel Kampf konfrontiert werden. Es gibt kaum einen Moment in dem Film, der nicht so konstruiert ist, dass er an den Herzen zerrt, was eine Schande ist, denn die Stars des Films, die echten Schwestern Nathalie und Manal Issa, scheinen die nervöse Orchesterunterstützung nicht zu brauchen. Sie konnten die Emotion auch ohne sie tragen.

Sowohl erzählerisch als auch stilistisch bewegt sich The Swimmers ständig in Richtung kitschiger Klischees, wie die aufblitzenden Voice-Over-Anleitungen des Vaters/Trainers der Mädchen („Find your lane. Swim your race.“), während sie gezwungen sind, ihr Talent einzubringen das Wasser auf Leben und Tod während einer unruhigen Überquerung des Mittelmeers. Währenddessen sind die letzten 45 Minuten oder so ein generisches Sportdrama im Miniaturformat, alle Trainingsmontagen auf dem Weg zu einem großen Höhepunktspiel. Geschichten über die Erfahrung von Migranten und insbesondere über die Vertreibung von Millionen von Flüchtlingen während des andauernden Krieges in Syrien sind es absolut wert, erzählt zu werden. Aber es gibt nichts in dieser Erzählung, das sich in einem NBC Sports-Segment von menschlichem Interesse während der Olympischen Spiele fehl am Platz anfühlen würde.

Hier ist jedoch das Coole an TIFF: Am Ende des Flurs wartet fast immer etwas Besseres. Ein weniger sentimentales und komplizierteres Porträt von Menschen, die auf der Suche nach einem besseren Leben die Grenzen nach Europa überqueren, finden Sie stattdessen in RMN , dem neuesten Werk des zuverlässig prägnanten rumänischen Filmemachers Cristian Mungiu ( 4 Monate, 3 Wochen und 2 Tage ). Der Film spielt hauptsächlich in einem Dorf in Siebenbürgen, das auf den ersten Blick wie eine Werbung für den Traum eines harmonisch multikulturellen Europas aussehen könnte. Schließlich besteht es aus einem Querschnitt ungarischer, rumänischer und deutscher Einwohner, jeder mit seinen eigenen Bräuchen und Religionen, die friedlich zusammenleben. Aber zwischen diesen Subkulturen bestehen Spannungen, und es gibt Grenzen dafür, wie viel Vielfalt jeder akzeptieren wird, was deutlich wird, als das größte Unternehmen der Stadt, eine Großbäckerei, mehrere srilankische Einwanderer anstellt – eine Entwicklung, die das geronnene rassistische Herz der Menschen bloßstellt Gemeinschaft.

Dies ist eindeutig Mungius Film über die Fremdenfeindlichkeit und den weißen Nationalismus, die sich in den letzten Jahren in ganz Europa (und darüber hinaus) ausgebreitet haben. Man sollte die beobachtende Strenge seines Filmemachens nicht mit einem neutralen Auge verwechseln; Dies ist ein wütender Film mit viel Verachtung für die Art und Weise, wie Religion und Großunternehmen oft die Schwächsten versagen. Die Herzstück-Sequenz ist ein Kraftakt im örtlichen Kulturzentrum, wo Mungiu ein zunehmend umstrittenes Treffen abhält und abhält, während die Stadtbewohner ihre Masken vollständig fallen lassen und ihren intoleranten Beschwerden Luft machen und die Stimmen der Vernunft im Raum niederschreien, wie Csilla (Judith State), mitfühlende Managerin der Bäckerei.

Was an RMN knifflig und fesselnd ist, ist die Art und Weise, wie Mungiu diese Handlung kontrastiert und verkompliziert, indem er ihr nicht weniger Raum gibt als eine parallele Erzählung: Die Heimkehr von Matthias (Marin Grigore), Csillas Liebhaber und einem hoch aufragenden, finsteren Rohling, der am Rande des Geschehens zu sein scheint Gewalt zu jeder Zeit. Thematisch könnte er einige Funktionen erfüllen – es wird darauf hingewiesen, dass er während dieses bemerkenswerten One-Shot in der Mitte des Bildes und tatsächlich im Zentrum der Geschichte sitzt, während er ziemlich grundsätzlich desinteressiert an dem Drama bleibt, das diese Gemeinschaft verschlingt. Wie auch immer man seine Bedeutung (oder das schlicht allegorische Ende) liest, Mungiu erhöht die Spannung des gesamten Films mit seinen schwerfälligen Zickzackfahrten durch die Stadt, die wie eine menschliche Zeitbombe ticken. Es ist eine gesegnete Alternative zum geradlinigen Biopic-Adel von The Swimmers : Wichtiges Material in einer beunruhigend unlösbaren Form.

Unsere Berichterstattung über das Toronto International Film Festival wird die ganze Woche fortgesetzt . Weitere Texte von AA Dowd finden Sie auf seiner Autorenseite .