Mit „Heretic“ wollen die Regisseure Scott Beck und Bryan Woods Sie zu Tode erschrecken

Scott Beck und Bryan Woods haben es in „A Quiet Place“ mit tödlichen Außerirdischen, in „65“ mit bösartigen Dinosauriern und in „The Boogeyman“ mit dem titelgebenden Fabelwesen zu tun. Für ihren nächsten Auftritt stellte sich das Duo der Herausforderung, das Publikum mit Worten und nicht mit Monstern zu erschrecken, in Heretic , dem neuen Thriller von A24, der überall in den Kinos zu sehen ist. Zwei mormonische Missionarinnen, Schwester Barnes (Sophie Thatcher) und Schwester Paxton (Chloe East), klopfen an die Tür von Mr. Reed (Hugh Grant) und fragen, ob sie mit ihm über die Kirche Jesu Christi sprechen können.

Ein aufgeregter Mr. Reed kommt dem Wunsch nach und lädt die Mädchen ein, sich zu unterhalten, etwas zu lernen und ein Stück Kuchen zu essen. Was als freundschaftlicher Scherz beginnt, verwandelt sich in ein Verhör, als Mr. Reed den Glauben und die Überzeugungen der Mädchen in Frage stellt. Barnes und Paxton sitzen in der Falle und der einzige Ausweg besteht darin, Mr. Reeds verräterische Spiele zu spielen.

In einem Interview mit Digital Trends sprachen Beck und Woods über ihre Beziehung zur Religion und wie sie einen Horrorfilm rund um den Dialog drehten.

Hinweis: Dieser Artikel wurde aus Gründen der Länge und Klarheit bearbeitet .

Digitale Trends: Wessen Idee war es, mitten in einem Film über Religion eine Fast-Food-Debatte zu führen? Für manche ist das genauso wichtig [wie Religion].

Scott Beck: Oh, ich meine, das ist unsere Geschichte, in der wir uns nun schon seit fast 30 Jahren kennen. Ich denke, wir haben viele Debatten über unser Lieblings-Fastfood geführt.

Bryan Woods: Was ist dein Lieblings-Fastfood?

Ich mag Wendy's wirklich. Ich denke, Wendy’s könnte einer sein.

Woods: Ziemlich gut, oder?

Ja. Mit McDonald's kann man nichts falsch machen. Zur Verteidigung von Taco Bell, das ist es, was ich sonntagabends bekomme. Sobald dieses Interview vorbei ist, werde ich es bekommen.

Woods: [lacht]

Beck: Das ist großartig. Taco Bell ist für uns normalerweise so etwas wie ein Ereignis, das einmal im Jahr stattfindet, aber seit wir diesen Film gedreht haben, ist es auf zweimal im Jahr angewachsen.

Ich verstehe es. Der Magen wehrt sich.

Beck: Ja, das tut es. [lacht]

Einer der Sätze, die mir wirklich auffielen, kam von Mr. Reed, als er mit Paxton und Barnes über Forschung sprach, und am Ende sagte er: „Je mehr Sie wissen, desto weniger wissen Sie.“ Ich habe das Gefühl, dass das auf viele Dinge zutrifft. Finden Sie als Filmemacher, dass dieser Satz wahr ist?

Woods: Ja. Wissen Sie, was das Witzige ist, wenn wir als Filmemacher mit dieser Aussage sprechen: Unser Schreibprozess besteht darin, dass wir Dinge im Leben hören. Wir erleben Dinge persönlich. Wir schreiben sie in Notizbücher, und eines Tages werden sie vielleicht in einem Drehbuch umgesetzt. Diesen Satz „Je mehr du weißt, desto weniger weißt du“ hörten wir, als wir auf dem College waren. Wir waren in unseren Zwanzigern, und ich glaube, es war Roger Ebert, der Martin Scorsese nach Religion fragte, weil er so viele Filme über die Schuld der Katholiken gedreht hat. Er sagte: „Je mehr du weißt, desto weniger weißt du.“

Und das war eine eindringliche Antwort auf diese Frage. Ich denke, je älter wir werden, desto mehr identifizieren wir uns mit der Vorstellung, dass das Leben ein Mysterium ist. Was passiert, wenn man stirbt, bereitet den meisten Menschen große Sorgen. [lacht] Es ist eines der größten Mysterien der Welt, und je älter wir werden, desto mehr versuchen wir, die Schönheit dieses Mysteriums anzunehmen. Versuchen Sie, den Schrecken darin zu überwinden, denn es ist ziemlich beängstigend.

Wussten Sie, dass Sophie und Chloe Verbindungen zu den Mormonen hatten, bevor sie für sie gecastet wurden?

Beck: Wir haben es erst spät im Prozess herausgefunden, als wir uns auf sie konzentrierten. Rückblickend ist es für uns keine Überraschung. Während des Casting-Prozesses hatten wir eine Flut von Leuten, die diesen Film machen wollten, und wir waren sehr dankbar, dass er so viele Talente anzog. Aber die Art und Weise, wie Chloe und Sophie diese Auftritte während des Casting-Prozesses verkörperten, hatte etwas so Authentisches. Jedes Mal, wenn wir uns ihre Tonbänder noch einmal ansahen oder sie zu Rückrufen hereinholten, fingen sie den mormonischen Dialekt ein. Und das leichte Unbehagen, mit einem anderen Missionar zusammenzuarbeiten, dem Sie zugeteilt sind, und Sie wissen es nicht wirklich, aber Sie versuchen, Ihr Bestes für Ihre gemeinsame Mission zu geben.

Der zusätzliche Vorteil, den sie durch ihre Erfahrung in der Mormonenbeziehung hatten, war atemberaubend. Man hatte das Gefühl, dass die Authentizität dann bei der Herstellung des Films genutzt werden könnte. Es gibt eine Szene, in der sie zu Beginn des Films die Treppe hinaufsteigen, während sie ihren täglichen Aufgaben nachgehen, und in der wir sie Dinge sagen sehen und hören, die völlig authentisch zu ihrer Erfahrung und ihrer Erfahrung im Zusammenleben mit mormonischen Freunden sind und andere Menschen, die Missionen durchlaufen haben. Es ist das Beste, was Sie sich wünschen können. Aber nein, wir hatten keine Ahnung [von ihren mormonischen Verbindungen], als wir aufbrachen und sie immer und immer wieder zurückbrachten.

Mir gefiel, dass sie [Paxton und Barnes] jeden Moment kurz vor dem Zusammenbruch stehen, wenn sich die Dinge einmal ändern. Man sieht, wie ihnen während der gesamten zweiten Hälfte die Augen tränen. Aber sie haben nie eine vollständige Aufschlüsselung, was ich so faszinierend fand. Es ist fast so, als wären sie aktive Geiseln. Warum war es wichtig, sie so darzustellen?

Woods: Wir wollten Ihre Erwartungen an einen Mormonenmissionar wirklich untergraben. Wir wollten uns in die naive Fassade hineinlehnen und dann Tiefe unter der Oberfläche zeigen. Das ist nur unsere Erfahrung, viele Mormonen persönlich zu kennen und mormonische Missionare getroffen zu haben. Das wollten wir darstellen.

Speziell zu Ihrer Frage ist es interessant. Es gab tatsächlich eine gelöschte Szene, in der Schwester Paxton etwas mehr zusammenbricht, als man es im Film sieht. Sie wird irgendwie überwältigt und emotionaler. Im Nachhinein fühlte es sich nicht wahr an. Es war eines dieser Dinge, die man aufschreibt und auf die Seite bringt, und man denkt, das fühlt sich an, wie sie reagieren würde. Als ich es im Film sah, dachte ich: Nein, sie ist etwas härter. Für uns war es wichtig, dies zu verfeinern und sicherzustellen, dass sich die Figur immer authentisch anfühlt.

Du möchtest einfach nur hineingreifen und sie umarmen. Sag ihnen, dass alles gut wird. Gib ihnen ein Taschentuch oder so.

Beck: Ja. Völlig.

Ihnen gegenüber steht Hugh, von dem man merkt, dass er die Zeit seines Lebens hat, besonders bei den spannenden Dialogen. Was waren in Ihren Gesprächen mit Hugh die wichtigsten Eigenschaften, die Sie Mr. Reed vermitteln wollten?

Beck: Nun, ich denke, was die Eigenschaften angeht, ist das wirklich Wichtige, mit dem wir uns alle sehr früh auseinandergesetzt haben, dass er ein bisschen Charme haben muss, der das Publikum anzieht, genau wie er Paxton und Barnes anzieht. Und die Sicherheit, bis zu einem gewissen Grad, dass wir nur hier sind, um ein Gespräch zu führen. Es musste eine dunklere Unterströmung vorhanden sein, aber diese durfte sich nicht zu früh zeigen. Es musste eine Weiterentwicklung stattfinden.

Ich erinnere mich, dass Hugh immer gesagt hat, dass dieser Typ, Reed, Spaß hat. Es ist eine Sache, wenn man das Drehbuch hat und denkt, dass diese Rolle düster ist. Und er verlieh dieser Rolle gewissermaßen den Funken Spaß, der es ermöglichte, komische Momente durchzukommen. Wir haben immer über diesen Film gesprochen, weil jede Szene den Sand unter den Füßen der Charaktere bewegen musste, sodass man nicht genau wusste, wo man in diesem Moment stand. Befinden wir uns in einer sicheren Situation und es fühlt sich einfach etwas seltsam an, oder ist es tatsächlich gefährlich?

Die Antwort auf diese Frage kann man nie finden, bis es zwangsläufig zu spät ist. Bei all diesen Gesprächen mit Hugh sehr früh, Monate bevor wir mit den Dreharbeiten begannen, tauschten wir E-Mails über die Intonation jeder Szene und manchmal auch den Dialog aus, so dass wir das schließlich, als er am Set war, nicht mehr brauchten Führen Sie diese ausführlichen Gespräche. Sie waren bereits fertig und er konnte einfach am Set auftauchen und das, was er so sorgfältig studiert und vorbereitet hatte, wirklich zum Leben erwecken.

Es fühlte sich an wie eine Unterhaltung, die jeder zu Thanksgiving hatte.

Beck: Ja.

Ich gehe davon aus, dass einer von euch einen hatte?

Woods: Oh ja. [lacht] Das haben wir alle. Ich meine, es ist irgendwie der perfekte Zeitpunkt, diesen Film im November zu veröffentlichen. Kurz vor den Feiertagen.

Beck: Und direkt nach der Wahl auch. Weißt du, es ist genau an diesem Sweet Spot.

Woods: A24 weiß, was sie tun. … Wir haben wirklich gehofft, dass es sich um ein zweistündiges theologisches Gespräch handelt, was unser größtes Ziel für den Film ist. Dann verlassen Sie das Theater und hoffen, dass Sie anschließend zum Abendessen gehen oder mit Ihren Freunden und Ihrer Familie nach Hause fahren, und die Debatte geht weiter.

Bei den Thriller- und Horroraspekten kann es sein, dass jemand eine Maske und eine Waffe trägt, und das ist beängstigend. Oder es gibt Jump-Scares, wenn man es filmt. Dieser Film ist so dialogzentriert, dass er wirklich die treibende Kraft der Spannung und des Horrors ist. Wie konnten Sie als Autoren den Dialog als Hauptquelle für Nervenkitzel und Horror nutzen?

Beck: Oh, danke, dass du das gesagt hast. Wir kommen hinter „A Quiet Place“ und „Boogeyman“ und „65“ hinterher . Dabei handelt es sich um Filme, die auf den traditionellen filmischen Techniken von Jump-Scares oder Monstern und so weiter basieren. Für uns war dies also ein Umschwung in die völlig entgegengesetzte Richtung. Wie kann man Dialoge und Vorstellungen über Religion erschreckend gestalten? Für uns ging es immer darum, den Film persönlicher zu machen, ihn über Dinge zu thematisieren, mit denen wir zu kämpfen hatten, und dabei zu hoffen, dass es noch viele andere Leute da draußen gibt, die diesen Film auch sehen werden Ich habe mit denselben Dingen zu kämpfen oder bin zu ähnlichen Schlussfolgerungen gekommen.

Ich erforsche die gleiche Dunkelheit darüber, warum ich glaube, was ich glaube, oder warum ich nicht an die Dinge glaube, an die andere Menschen glauben. Die durchdringende Frage, mit der wir uns auseinandergesetzt haben, die aber auch im Film angesprochen wird, ist, was passiert, wenn man stirbt. Die Angst vor dem Unbekannten ist für uns eines der realsten und gruseligsten Dinge, mit denen wir alle irgendwann konfrontiert werden.

Ich habe gelesen, dass Sie das Haus als vierte Figur gesehen haben. Je tiefer sie vordringen, desto tiefer steigen sie in die Hölle hinab. Begann es [das Haus] immer als etwas, das untergehen würde, und wurde es zu diesem Haus des Schreckens?

Woods: Wir wollten nur, dass das Haus eine Art Mystery-Box ist. Es beginnt harmlos, sicher und fast harmlos. Aber je genauer man hinschaut, desto seltsamer sind die Kleinigkeiten. Es gibt so viele seltsame Details im Bühnenbild, von denen ich nicht einmal glaube, dass sie im Film vorkommen. Im ersten Wohnzimmer blättert eine Tapete ab, und hinter dieser Tapete befindet sich eine andere Tapete, was den Eindruck erweckt, dass Reed diesen Raum mehrmals gestaltet hat.

Er hat es immer verändert und verschoben, je nachdem, was er tut. Wir lieben die Abstammung im Stil von Dantes Inferno , die in Bezug auf Reed immer düsterer und realer wird. Wie das, was er unter der Oberfläche ist. Wir wollten das Publikum und uns selbst immer wieder überraschen.

Phil Messina, unser Produktionsdesigner, ist einer der größten aller Zeiten. Er begann seine Karriere bei The Sixth Sense . Wissen Sie, eine Sache, über die wir noch nicht gesprochen haben, ist der Raum unter dem Haus, den wir tatsächlich im Exorzisten -Stil gekühlt haben, um den Atem der Schauspieler authentisch zu machen.

Beck: Und es war für uns alle auf produktive Weise unglaublich unangenehm. Ich bin froh, dass wir den Film nicht mehr in diesem Raum gedreht haben. Es war ziemlich mühsam.

Aufgrund der Art und Weise, wie es gefilmt wurde, weiß ich, dass Sie gesagt haben, dass Chung-hoon Chung , der Kameramann, Ihre Waffe war. Was waren Ihre Gespräche darüber, wie Sie den Hin- und Her-Dialog drehen wollten?

Beck: Gemeinsam mit Chung-hoon war unsere größte Angst, dass es sich wie ein Bühnenstück anfühlen würde. Wenn wir gerade ein Bühnenstück gedreht hätten, hätten wir auch einfach ein Bühnenstück machen sollen. Daher war es für uns eine Herausforderung, darüber nachzudenken, wie sich die Filmsprache im Laufe des Films entwickelt. Das war uns sehr wichtig – dass wir nicht das Gefühl hatten, eine Aufnahme nach der anderen zu wiederholen. Chung-hoon hat uns wirklich auf die bestmögliche Art und Weise herausgefordert, und es hat seinen Weg in den letzten Film gefunden. Er meinte: „Ich denke, wir sollten mit dem Film anfangen und ihn ganz langweilig drehen.“ Wie sehr statisch. Entfernen Sie den Instinkt, die Kamera zu bewegen.

Bryan und ich meinten anfangs: „Oh ja, wir werden diese Parkbankszene drehen und hier ein bisschen herumtollen.“ Er meinte: „Nein. Trotzdem. Langweilig. Lasst uns das tun.“ Plötzlich eröffnete es uns die Möglichkeit, beim Bewegen der Kamera herauszufinden, wie wir die Psychologie der Charaktere wirklich verfolgen können. Wie segmentieren wir diesen einzelnen Charakter, und es fühlt sich an, als ob er isoliert wäre, selbst wenn er sich in einem Raum befindet, in dem alle drei anwesend sind? Ein weiterer Aspekt bestand darin, eine Möglichkeit zu finden, die Aufführungen nicht zu behindern.

Ein großer Teil unserer Liebe zum Kino gilt Filmemachern wie Alfred Hitchcock oder M. Night Shyamalan , die jedes einzelne Bild akribisch mit einem Storyboard versehen. Das ist normalerweise unser Instinkt. Aber wir wussten, dass dies eine großartige Leistung völlig unmöglich machen würde. Wir wollen Hugh Grant nicht in diese winzige Schublade stecken.

Bei Chung-hoon haben wir viel Zeit damit verbracht, herauszufinden, wie wir mit der Kamera anspruchsvoll umgehen, aber auch freizügig sein können, was wie zwei widersprüchliche Dinge schien. Was wir in jedem Raum gemacht haben, war, diese Dolly-Tanzfläche auf den Boden zu legen, damit wir eine bewegliche Kamera überall hin mitnehmen konnten. Wir ließen die Aufführungen manchmal bis zu 10 Dialogseiten lang laufen. Wir würden diese wirklich langen Einstellungen drehen und dann würde Chung-hoon die Kamera selbst bedienen.

Im Verlauf der Szene hatten wir ein Funkgerät über ihn. Er nutzte seine Instinkte, die so schön und meisterhaft waren. Wir würden sagen: „Okay. Jetzt lasst uns Hugh näher kommen.“ Wir haben das per Funk übertragen und einen kleinen Tanz zwischen der Kamera und der Aufführung geschaffen, der Chloe, Sophie und Hugh dennoch die Freiheit lässt, zu verfolgen, wohin die Szene im Moment gehen muss.

Heretic ist jetzt in den Kinos .