Von Logan bis The Last Jedi: 2017 war das beste Jahr für Sci-Fi-Fortsetzungen

Gute Fortsetzungen sind selten. Es ist nie einfach, das Originalgebräu nachzubilden, das sich zu einem großartigen Film entwickelt hat. Für ein bestimmtes Jahr ist es außergewöhnlich, auch nur zwei großartige Fortsetzungen zu produzieren, weshalb 2017 ein annus mirabilis für diese Fortsetzungen war. 2017 produzierte fünf Fortsetzungen desselben Genres – Sci-Fi-Action – die alle so gut oder besser waren als alles andere in ihren jeweiligen Franchises.

Ihr anfänglicher Erfolg sowie ihr Durchhaltevermögen sind auf mehrere gemeinsame Faktoren zurückzuführen, darunter visionäres Filmemachen, inspirierte Spezialeffekte und engagierte Auftritte berühmter Schauspieler, die keine Angst davor hatten, alt oder schwach zu erscheinen, während ihre Charaktere mit nachlassenden Kräften kämpften. Aber mehr als alles andere läuft ihr kollektiver Triumph auf einen gemeinsamen Ansatz hinaus. Sie alle waren mutige Abweichungen – erzählerisch, thematisch, stilistisch, ästhetisch – von typischen Einträgen in den Franchises, die sie hervorgebracht haben.

Logan (3. März)

Kein Wunder, dass die Verwalter der Indiana-Jones-Franchise James Mangold engagierten, um den 79-jährigen Harrison Ford im bevorstehenden fünften Teil der Serie zu inszenieren. Nicht jeder wird Steven Spielberg ersetzen. Auch wenn der gefeierte Regisseur von „ ET “ und „Schindlers Liste“ bei „ Indiana Jones und das Königreich des Kristallschädels “ gestolpert ist, ist er immer noch einer der ganz Großen. Mangolds Einstellung ist ein Beweis dafür, was für eine fantastische Arbeit er mit Logan geleistet hat – dem letzten Film der Wolverine-Trilogie, selbst ein Spin-off der X-Men-Serie – als er zwei alternde Legenden inszenierte, die zwei alternde Legenden spielten: Hugh Jackman als Logan/Wolverine und Patrick Stewart als Charles Xavier/Professor X.

Mangold hatte beim vorherigen Wolverine-Film Regie geführt, der in Japan spielt, der anständige Kritiken erhielt und einige großartige Sequenzen enthält, darunter eine Hommage an Akira Kurosawas Thron des Blutes , in dem Wolverine voller Pfeile steckt. Aber der Film befindet sich immer noch im Bereich der Comics, einem Bereich, aus dem sich Logan entschieden entfernt, indem er seine Ereignisse mit düsterem Realismus inszeniert und filmt (einschließlich realistischer Darstellungen dessen, was mit menschlichen Körpern passiert, wenn jemand sie mit Adamantiumkrallen auseinanderreißt).

Im Jahr 2029 sind Mutanten so gut wie ausgestorben, und Logan, Xavier und Caliban (Stephen Merchant) driften durch das Ende ihrer Tage. Als eine junge Mutantin in Not (Dafne Keen) vor ihrer Haustür ankommt, entdecken sie ein gemeinsames Ziel wieder. Mangold (der zuvor bei Yuma ein Remake von 3:10 gedreht hatte ) versetzt Logan in den Western, indem er an Shane erinnert, George Stevens' klassische Meditation von 1953 über die Brutalität der Gewalt, die auch das Überleben einer provisorischen Familie aufzeichnet.

Die kräftigen Farbtöne und die kontrastreiche Beleuchtung des Films sahen so gut aus, dass Mangold auch eine atemberaubende Schwarz-Weiß-Version des Films veröffentlichte, die, wenn überhaupt, die krassen Themen des Films noch dramatischer heraufbeschwört. Logan ist mit Abstand der beste X-Men-Film, was nicht viel aussagt, aber es ist auch die seltene Fortsetzung, die für sich allein stehen kann.

Krieg um den Planet der Affen (14. Juli)

Der Hauptgrund für den Erfolg der neuesten Planet der Affen -Reihe ist neben der spektakulären Filmproduktion, dass jeder Film einen anderen Ton und eine andere Herangehensweise findet als der Vorgänger. Der Aufstieg des Planeten der Affen (2011) ist eine klassische Entstehungsgeschichte mit einer berührenden familiären Liebesgeschichte zwischen Mensch und Affe, die über die Schrecklichkeit der sich verschlechternden Gesellschaft hinwegtäuscht.

Die Fortsetzung Dawn of the Planet of the Apes (2014) spielt in einer postviralen Apokalypse, in der die chaotischen Überreste der menschlichen Zivilisation den üppigen Wäldern Nordkaliforniens gegenüberstehen, in denen die Affen einfach nur in Frieden leben wollen. Durch die Präsentation der Affenzivilisation erlaubt Dawn dieser Serie auch, ihren Anspruch als eine der beeindruckendsten Meisterleistungen visueller Effekte geltend zu machen, die jemals dem Kino gewidmet wurden. Es zeigt auch Andy Serkis, der den Affenführer Caesar spielt, als einen der größten lebenden Filmschauspieler .

Alles – die VFX, das World-Building, die Performances, insbesondere Serkis‘ – toppt sich noch einmal im dritten Film, der sich weiter in fast malerische Schönheit neigt, sowie progressive Politik in Form einer scharfen Kritik an der US-Kriegstreiberei und Mauerbau-Fremdenfeindlichkeit (was alles erklären könnte, warum dieser Eintrag weniger heimische Kinokassen erzielte als seine Vorgänger.).

Der Film setzt auch den Trend der Serie fort, sich an verschiedene Genres zu lehnen, um dem Geschichtenerzählen eine neue Wendung zu geben. War ist ein Reisefilm, ein Gefängnisausbruchsfilm und ein Riff auf Apocalypse Now, wobei Woody Harrelson Marlon Brandos mörderischen Colonel Kurtz aus diesem Film wiederholt. Schließlich ist der Film eine biblische Allegorie, in der Cäsar als Moses sein Volk in das gelobte Land führt, eine trilogielange Reise, die mit einem lieblichen Pastellbild endet, das die Hoffnung ankündigt.

Blade Runner 2049 (6. Oktober)

Wenn jemand vor fünf Jahren nicht davon überzeugt war, ist es ziemlich klar, dass dieser Film wegen seiner außergewöhnlichen Optik und seiner bewegenden Themen über Opfer und die Natur der menschlichen Identität alles andere als ein Meisterwerk ist . Ridley Scotts ursprünglicher Blade Runner (1982) war in den Jahrzehnten, seit er zum ersten Mal zum Flop erklärt wurde, so unverwechselbar, einflussreich und berühmt geworden, dass es viel Mut erforderte, daran zu denken, ihn weiterzuverfolgen, zumal der Star des Films, Harrison Ford, es getan hat schimpfte wiederholt darüber, was für eine miserable Zeit er hatte, es zu schaffen. Regisseur Denis Villeneuve gestand , „heiliges Territorium“ betreten zu haben, um sich einer Fortsetzung auch nur zu nähern, und es hätte sicherlich eine große Dummheit sein können. Stattdessen steuerten er und seine Mitarbeiter (insbesondere Kameramann Roger Deakins, der für den Film einen längst überfälligen Oscar gewann) ein bedeutendes Werk zum Kino bei.

In Übereinstimmung mit unserem Thema machte Blade Runner 2049 zwei wichtige Abweichungen vom Original, die seinen künstlerischen Erfolg sicherten. Es erweiterte die Umgebungen und zog sich aus den dunklen urbanen Tiefen der regnerischen Innenstadt von Los Angeles zurück, um viel mehr von der Story-Welt zu enthüllen, darunter ein Las Vegas, das durch eine schmutzige Bombenexplosion unbewohnbar wurde, eine gigantische Meeresmauer, die den steigenden Ozean zurückhält, und das Stadt, die früher als San Diego bekannt war und jetzt als riesige Müllhalde dient.

Die zweite Abkehr bestand darin, Ryan Gosling im Film als Blade Runner der nächsten Generation, Agent K, zu besetzen, der ältere Replikanten (wie den von Dave Bautista) jagt, und die Erzählung seinen Bogen zur Menschwerdung verfolgen zu lassen. Währenddessen taucht Ford als OG Rick Deckard so spät im Bild auf, dass wir fast vergessen, dass er darin ist. Als er jedoch auftaucht, verbindet der Film Deckards Geschichte elegant mit der von K und liefert ein tiefgründiges und bewegendes Ende, in dem Villeneuve den Schlussszenen von Kurosawas Ikiru huldigt, auch über einen Mann, der seine Menschlichkeit entdeckt, bevor er im Schnee stirbt. (Wie bei The Wolverine , das oben erwähnt wurde, muss die Beschwörung von Kurosawa der Standardzug sein, um ernsthaften künstlerischen Ehrgeiz zu signalisieren.)

Wie das ursprüngliche Blade Runner war BR 2049 ein finanzieller „Flop“, aber auch wie sein Vorgänger ist es für einen hohen Platz im Kanon ernsthafter Science-Fiction bestimmt und wird kommende Generationen erreichen.

Thor: Ragnarok (3. November)

Wenn noch niemand gesagt hat: „Wenn Sie etwas neu interpretieren wollen, geben Sie es einem Kiwi“, dann sage ich es hier! Wie glücklich für die Marvel Studios, dass der neuseeländische Autor/Regisseur und fabelhafte Mann-über-die-Stadt Taika Waititi gerade auf dem Vormarsch war, als sie eine frische Stimme brauchten, um Leben in eine schwülstige Serie zu pumpen, die mit dem lethargischen Thor fast auf Grund gelaufen war: Die dunkle Welt .

Waititi warf einen Blick auf das Material und entschied, dass es viel mehr Spaß machen sollte, und sein Instinkt erwies sich als genau das, was er brauchte. Ragnarok ist urkomisch, visuell umwerfend, sexy, campy, herzerwärmend, actiongeladen und rasant. Es umfasst sinnvoll die alten Beziehungen – zwischen Thor (Chris Hemsworth) und Loki (Tom Hiddleston); die beiden Söhne und ihr Vater Odin (Anthony Hopkins); und Thor und Hulk (Mark Ruffalo) – und stellen gleichzeitig großartige neue Charaktere vor.

Cate Blanchett ist ein Schreihals im Vollleder-Vamp-Modus als Big Bad, während Tessa Thompson als die betrunkene, apathische Walküre sofort zu einer der ansprechendsten Figuren des MCU wurde. Werfen Sie Jeff Goldblum ein, der Goldblumian Shtick in dunklem Lidschatten macht, und Sie haben gerade neun der 12 Dinge durchgestrichen, die jeder Film so ziemlich immer enthalten sollte – so sehr, dass ich mir jedes Mal, wenn ich diesen Film sehe, dieselbe Frage stelle: Warum aren nicht mehr Blockbuster wie Thor: Ragnarok? Es ist keine Überraschung, dass Marvel Watiti für den vierten Eintrag, Thor: Love and Thunder , zurückgebracht hat.

Star Wars: Die letzten Jedi (15. Dezember)

Es gibt wenig Neues über diesen Film zu sagen, das nicht in den letzten fünf Jahren im Tauziehen der abweichenden Meinungen zwischen den Fanlagern, zu denen auch die Meinungen dieses Autors gehören, ad infinitum dargelegt wurde. Da Star Wars-Filme dazu neigen, ausschließlich miteinander und nicht mit dem Kino im Allgemeinen verglichen zu werden, dreht sich die Debatte über den Wert weniger um konventionelle Vorstellungen von Gut und Böse als vielmehr darum, welche Episoden die Star Wars-ness von Star Wars am besten ausdrücken . Sicherlich hat sich der Aufruhr über The Last Jedi – und die Fortsetzungen im Allgemeinen – darauf konzentriert.

Welche Elemente die Star Wars-ness von Star Wars am besten vermitteln, kann schwer zu bestimmen sein. Die Magie, die Star Wars ausmacht, die unsere Herzen höher schlagen lässt, wenn wir sie auch nur halb im Fernsehen sehen, während wir durch einen Best Buy schlendern, liegt in der Fusion, nicht in den einzelnen Zutaten. JJ Abrams zaubert das Gebräu in gelegentlichen Momenten und sogar für ein oder zwei längere Sequenzen in The Force Awakens . Leider war seine aufkeimende Zauberei der wahren dunklen Macht im Disney Star Wars-Universum nicht gewachsen: den kommerziellen Imperativen, die nach einer so kalkulierten und abgeleiteten Handlung verlangten.

The Last Jedi ist auch abgeleitet. Es ist nur auf eine viel nachdenklichere, originellere und subversivere Weise abgeleitet als The Force Awakens . Star Wars ist mittlerweile ein eigenes Genre. Und der Schlüssel zur anhaltenden Popularität eines jeden Genres ist die frische Hervorrufung von Genre-Tropen. Eine der Tropen, die Regisseur Rian Johnson lebhaft aktualisiert, sind die Samurai-Filmeinflüsse, die Star Wars von Anfang an inspiriert haben. Und ja, wir sind wieder zurück in Kurosawa! Der japanische Meister hatte einen großen Einfluss auf George Lucas, insbesondere mit seinem Film The Hidden Fortress .

Das Samurai-Design ist in The Last Jedi , im Duell Snoke/Rey/Kylo Ren Throne Room, mit seinen Masken und wallenden Gewändern und blutroten Hintergründen, die an das japanische Noh-Drama erinnern, das Kurosawa in Throne of Blood heraufbeschworen hat. Die Samurai-Ästhetik dominiert auch die Jedi-/Mönch-Szenen zwischen Luke Skywalker (Mark Hamill) und Rey (Daisy Ridley) sowie Lukes dramatischen Showdown mit Kylo Ren (Adam Driver). Die Insel Ahch-to , obwohl sie vor der Westküste Irlands gefilmt wurde, könnte leicht für Japan verdoppeln. Das regengepeitschte, felsige Gelände und die bröckelnden Strukturen erinnern an die Eröffnung von Kurosawas Rashomon , während Reys Triple Buns an Toshiro Mifune aus vielen seiner Samurai-Filme erinnern.

Wie bei allen Filmen aus unserem gepriesenen Jahr der Sci-Fi-Fortsetzungen sind sowohl der anfängliche Erfolg als auch die anhaltende Anerkennung von The Last Jedi auf seine mutige Abweichung vom Ausgangsmaterial in entscheidender Weise zurückzuführen. Der gemeinsame Ansatz dieser Filme machte sie zu großartigen Kinoerlebnissen und zu herausragenden Beispielen ihrer jeweiligen Franchises.