Hinter der weltweit zweitgrößten KI-Videoplattform verbergen sich die Ambitionen eines neuen Film- und Fernsehunternehmens
In der Filmgeschichte wurde die Einführung neuer Technologien noch nie als zivilisiert betrachtet.
1895 versetzte „Die Ankunft eines Zuges in La Ciotat“ das Publikum in Panik. 1927 läuteten die ersten Zeilen von „Der Jazzsänger“ das allmähliche Ende der Stummfilmära ein. 1995 ließ „Toy Story“ die Zuschauer sogar vergessen, dass der Film komplett computergeneriert war.
Interessanterweise beschleunigte jedes „Abweichen vom Mainstream“ letztendlich die Entwicklung der Branche. Tonfilme, Farbfilme, Digitalkameras und computergenerierte Spezialeffekte kamen unter Skepsis und Spott auf den Markt, wurden aber schließlich fester Bestandteil der Filmsprache.
Heute hält generative KI auch Einzug in die Film- und Fernsehproduktion. Utopai Studios, ein auf KI spezialisiertes Film- und Fernsehunternehmen mit Fokus auf Storytelling, revolutioniert mit Utopai X die Videogenerierungsmodelle.
Stand 30. September belegte das selbstentwickelte Modell Utopai X den zweiten Platz im weltweiten Leaderboard von Artificial Analysis für textbasierte Videos mit Audio, direkt hinter Wan 3.0 und vor Dreamina Seedance 2.5. Es ist außerdem das am höchsten platzierte Modell eines amerikanischen Unternehmens auf der Liste.
Wissenswertes: Dieses Ranking basiert auf einem Blindbewertungsmechanismus von Video Arena: Die Zuschauer kennen die Marke des jeweiligen Modells nicht und bewerten ausschließlich Videos, die zum selben Thema erstellt wurden, basierend auf ihren persönlichen Erfahrungen. Die Platzierung ergibt sich aus der Elo-Punktzahl, die durch diese Bewertungen generiert wird. Es ist außerdem das erste Mal seit Einführung der Blindbewertung, dass ein von einer Filmproduktionsfirma selbst entwickeltes Modell in die Liste aufgenommen wurde – ein wahrhaft fulminanter Einstand.
Über die erzielten Erfolge hinaus ist die Identität des Unternehmens noch bemerkenswerter.
Das Unternehmen deckt die Bereiche Film- und Fernsehprojektentwicklung, Finanzierung, Produktion und weltweiten Vertrieb ab. Seine Modelle und Plattformen dienen der konkreten Film- und Fernsehproduktion. Für Film- und Fernsehprofis ist dies ein seltenes Beispiel dafür, wie generative KI von der Erstellung einer einzelnen Einstellung bis hin zum Produktionsprozess eines kompletten Werks reichen kann.
Eine Film- und Fernsehproduktionsfirma hat es in die Endrunde des Video-Modeling-Wettbewerbs geschafft.
Utopai hat seinen Hauptsitz in Mountain View, Kalifornien. Die Mitgründer Cecilia Shen fungieren als CEO und Jie Yang als CTO. Zuvor war Cecilia Shen bei Google X im Bereich Data Science und KI-Lösungen tätig.
Die Entwicklung von Utopai begann mit Cybever, das im Jahr 2022 gegründet wurde.
Die frühe Forschung und Entwicklung konzentrierte sich auf die prozedurale Inhaltsgenerierung und hochauflösende 3D-Umgebungen und legte damit den Grundstein für die Vorvisualisierung von Spielen und Filmen. Anschließend wurden neue Wege beschritten und das Forschungsgebiet schrittweise auf räumliches Denken, Kamerabewegungen und die Generierung filmischer Videos aus der 3D-Vorvisualisierung ausgeweitet.
Im Jahr 2025 änderte Cybever seinen Namen in Utopai Studios und begann mit dem Aufbau eines Systems für Film- und Fernsehentwicklung, -produktion und -vertrieb, das sich auf Eigenproduktionen und Koproduktionen konzentrierte. Die selbstentwickelten Technologien wurden auch in laufende Produktionen integriert, um die Entwicklung von Charakteren, Szenen und Einstellungen zu unterstützen.
Laut Forbes wird Utopai auf etwa 1 Milliarde Dollar geschätzt. Variety bezeichnete das Unternehmen in seinem Artikel über die Zusammenarbeit als „das weltweit größte unabhängige KI-basierte Film- und Fernsehunternehmen“ und stellte drei Filme und zwei Serien vor, deren Veröffentlichung für 2027 geplant ist.
Die praktischen Erfordernisse der Film- und Fernsehproduktion stellten Utopai vor Herausforderungen bei der Modellentwicklung.
Es ist wichtig zu verstehen, dass Videogenerierungswerkzeuge es den Benutzern zwar ermöglichen, wiederholt "Karten zu ziehen", die Produktion eines Spielfilms jedoch ein völlig anderer Prozess ist: Hunderte oder sogar Tausende von Aufnahmen müssen miteinander verbunden werden, um eine vollständige Erzählung zu bilden, und Charaktere, Umgebungen und Requisiten müssen wiederholter Kameraeinwirkung standhalten.
Der Produktionsprozess beinhaltete zudem zahlreiche Überarbeitungen.
Der Regisseur mag das Charakterdesign gutheißen, möchte aber die Beleuchtung anpassen; er behält vielleicht das Szenenlayout bei, muss aber die Bewegungen der Figuren ändern. Jede Überarbeitung sollte darauf abzielen, die zuvor getroffenen kreativen Entscheidungen beizubehalten, damit das neue Material mit anderen Aufnahmen kombiniert werden kann.
Ergebnisqualität, Konsistenz über alle Einstellungen hinweg und Modifizierbarkeit sind somit zu den drei größten Hürden geworden, die die Spielfilmproduktion gleichzeitig überwinden muss.
Die Entwicklung von Utopai X orientierte sich ebenfalls an diesen Produktionsanforderungen. Künstliche Analyse ergab, dass das Modell auf MiniMax H3 nachtrainiert wurde und sowohl das ursprüngliche MiniMax H3-Modell als auch das darauf basierende MiniMax H3 Max übertraf.
Nach den neuesten Informationen belegte Utopai X den ersten Platz in den Kategorien Audio-Synchronisation und Physik-Performance sowie den zweiten Platz in den Kategorien Beleuchtung und Materialien sowie Kamerasteuerung.
Diese Fähigkeiten entsprechen den strengen Anforderungen am Set: Der Ton muss mit dem Geschehen auf dem Bildschirm übereinstimmen; die Veränderungen des Lichts beim Durchgang durch Glas, Wasser oder Metall müssen realistisch sein; und die räumliche Beziehung zwischen der Figur und der Umgebung muss bei Kamerabewegungen kontinuierlich bleiben.
Utopai X hat außerdem Funktionen wie Reflexion, Kaustik, räumliches Verständnis und erweiterte Konsistenz optimiert, um die Verwendbarkeit des Filmmaterials zu verbessern. Filmemacher können so die Aufnahmen an ihre kreativen Ideen anpassen und den Aufwand für das wiederholte Generieren und Auswählen von Filmmaterial reduzieren.
Von Utopai X bis PAI: Generative Fähigkeiten in den Produktionsprozess einbringen
Die vom Modell erzeugten visuellen Darstellungen müssen noch in Fähigkeiten umgewandelt werden, die Filmemacher im Produktionssystem nutzen können.
Zu diesem Zweck entwickelte Utopai die Produktionsintelligenzplattform PAI und integrierte Utopai X tief in diese. Die beiden Plattformen erfüllen unterschiedliche Aufgaben: Utopai X bietet Funktionen zur Videogenerierung, während PAI Drehbücher, Charaktere, Szenen, Einstellungen und kreatives Feedback organisiert und so den Generierungsprozess die Nutzung vorhandener Projektinformationen ermöglicht.
In PAI lässt sich ein Drehbuch in Szenen und Einstellungen unterteilen, wobei Charaktere, Schauplätze, Requisiten und visuelle Referenzen mit dem Projekt verknüpft sind. Wenn die Autoren eine neue Einstellung entwickeln, können sie direkt auf die etablierten Einstellungen zurückgreifen, ohne die gesamte Geschichte jedes Mal von Grund auf neu erzählen zu müssen.
Die KI-Agenten der Plattform fungieren als „Produktionsassistenten“ und leisten wertvolle Unterstützung: Sie helfen Filmemachern bei der Planung von Einstellungen, beim Testen von Ideen und beim Generieren mehrerer Versionen, die auf den Produktionskontext abgestimmt sind. Kreative können dann verschiedene Optionen vergleichen, frühere Versionen überprüfen und endgültige Entscheidungen darüber treffen, was beibehalten und was geändert werden soll.
Das ausgewählte Filmmaterial wird dann in die Schnittzeitleiste integriert und mit professionellen Postproduktionswerkzeugen wie Premiere und DaVinci Resolve verbunden, wodurch ein kohärenter Workflow von der kreativen Entwicklung und der Erstellung des Filmmaterials bis zur Auslieferung in der Postproduktion entsteht.
Während des gesamten Prozesses blieben die Filmemacher für die Geschichte, den visuellen Stil, die schauspielerischen Leistungen und die finale Version verantwortlich. Die Betonung des wissenschaftlichen Leiters Zijian He, dass „Technologie den Handlungsspielraum des Filmemachers erweitern sollte“, spiegelt sich ebenfalls in dieser Arbeitsteilung wider. Sie gibt den Kreativen mehr Raum zum Experimentieren und ermöglicht ihnen gleichzeitig, die Kontrolle über das Ergebnis zu behalten.
Da Forschung und Entwicklung sowie die Fertigung parallel unter einem Dach stattfanden und so nah beieinander lagen, entstand ganz natürlich ein Schwungrad kontinuierlicher Iteration.
Die Schwierigkeiten, mit denen Künstler am Set konfrontiert werden, werden direkt zu Problemen, die die Forschungs- und Entwicklungsabteilung angehen muss. Zum Beispiel, wie man die Konsistenz desselben Charakters über verschiedene Szenen hinweg wahrt, wie man freigegebene Kompositionen nach der Bearbeitung von Animationen beibehält und wie man mehrere Versionen in den Bearbeitungsprozess einbindet, damit das Kreativteam sie vergleichen kann.
Die während der laufenden Produktion gesammelten Daten und das Expertenfeedback wurden genutzt, um die Modelle, Agenten und Arbeitsabläufe zu optimieren. Die neu erworbenen Fähigkeiten flossen dann in das aktuelle Projekt zurück und wurden wie ein Schneeballeffekt auf nachfolgende Arbeiten übertragen.
Im Vergleich zur Prüfung einzelner Clips liefert die professionelle Produktion ein umfassenderes Feedback. Filmemacher beurteilen nicht nur die Ästhetik einer Einstellung, sondern auch deren nahtlose Integration in vorhergehende und nachfolgende Einstellungen, ihre Eignung für weitere Überarbeitungen und ihre Fähigkeit, die Anforderungen der finalen Auslieferung zu erfüllen.
Chinesische Rechteinhaber und globale Produktionsfirmen haben neue Wege der Zusammenarbeit gefunden.
Über die Charts hinaus wagt sich Utopais Produktionssystem an Geschichten unterschiedlicher Genres und kultureller Hintergründe heran und unterzieht sich damit einem komplexeren Test als ein einzelner Musikvideoclip.
Der animierte Spielfilm „Der ernsteste Furz“, dessen Veröffentlichung für 2027 geplant ist, basiert auf Mike Benders gleichnamigem Kinderbilderbuch aus dem Jahr 2023. Die Geschichte dreht sich um Siegfried, einen außergewöhnlich ernsten Furz, der hofft, die Wahrnehmung anderer von ihm zu verändern und auf seiner Reise lernt, sich selbst zu akzeptieren und ein Zugehörigkeitsgefühl zu finden.
Die scheinbar absurde Prämisse birgt Themen wie Identitätsfindung, Selbstakzeptanz und den Abbau von Vorurteilen. Utopai hat sich zum Ziel gesetzt, Entertainment-Marken mit globalem Publikum und langfristiger Nachhaltigkeit zu entwickeln. Ausgangspunkt sind wiedererkennbare Charaktere und Storywelten, wobei ein Film den Startpunkt für kontinuierliches Schaffen bildet.
Das Kreativteam spiegelt diesen Entwicklungsansatz ebenfalls wider.
Mike Bender, der Autor des Originalbuchs, wird auch das Drehbuch schreiben und Regie führen. Er arbeitete bereits an der Komödie *Nicht noch ein Teenie-Film* und ist außerdem Co-Autor von *Peinliche Familienfotos*. Russell Hollander wird als Produzent fungieren, und Chuck Dillon, der Illustrator des Originalbuchs, wird als Creative Art Director dafür sorgen, dass die Charaktereigenschaften und der visuelle Stil des Buches im Film erhalten bleiben.
Joe Stillman, Co-Autor des Drehbuchs zu *Shrek* und Oscar-Nominierter für das beste adaptierte Drehbuch, fungierte als Co-Executive Producer. Andy Brooks, der unter anderem an Filmen wie *Drachenzähmen leicht gemacht* mitwirkte, verstärkte das Story- und Storyboard-Team. John Lee, zuvor Art Director bei Pixar, war für das Produktionsdesign verantwortlich. Scott Muller, Casting Director von *Die Simpsons* und *Futurama*, übernahm das Sprecher-Casting. Alle wichtigen Elemente der Story, der visuellen Gestaltung und des Sounds wurden von Kreativen mit professioneller Produktionserfahrung umgesetzt.
Laut Utopai leiten menschliche Animatoren und Illustratoren den Entstehungsprozess, während KI die iterative Produktion unterstützt. Die Emotionen der Charaktere und das Erzähltempo werden weiterhin von den Hauptentwicklern gesteuert.
Der Familienfilm *Half Moon*, der ebenfalls im selben Programm ist, ist eine Koproduktion von Partnern wie dem deutschen Unternehmen In Good Company und den südkoreanischen Paper Barn Studios, wobei PAI einige visuelle Elemente beisteuert. Das historische Epos *Cortés* steht hingegen vor einer ganz anderen Produktionsherausforderung: die gewaltigen historischen Szenen in einen Film zu übersetzen, der fertiggestellt und veröffentlicht werden kann.
Die Geschichte von *Cortés* spielt im Jahr 1519 und dreht sich um Hernán Cortés' Expedition ins Aztekenreich, die den Konflikt zwischen spanischen Konquistadoren und den indigenen Völkern Nordamerikas thematisiert. Der oscarnominierte Drehbuchautor Nicholas Kazan erklärte, er habe über dreißig Jahre an der Verfilmung dieser Geschichte gearbeitet, wobei der enorme Umfang und die hohen Kosten das Projekt immer wieder behindert hätten.
Die Schwierigkeit des Themas rührt auch von der Geschichte selbst her.
Die Ankunft der Spanier, der Krieg und der Fall von Tenochtitlán sind mit komplexen und kontroversen historischen Erzählungen verbunden. Kazan betont, dass der Film die Existenz unterschiedlicher Positionen und Perspektiven anerkennen und die Begegnung und den Konflikt zweier Kulturen anhand einer spezifischen Geschichte darstellen will, ohne die Erzählung einer Seite als die gesamte Geschichte zu behandeln. Diese kreative Haltung, verschiedene Perspektiven zu berücksichtigen, bedeutete auch, dass die Filmemacher historische Persönlichkeiten und Konflikte mit Bedacht behandeln mussten; das Verständnis der Lebensumstände verschiedener Gruppen ist ebenso wichtig wie die Rekonstruktion der antiken Stadt und der Kriegsszenen.
Die Verfilmung der antiken Stadt Tenochtitlan, ihrer Kriege und imperialen Umbrüche erfordert komplexe Szenengestaltung, anspruchsvolles Ensemblespiel und eine aufwendige visuelle Produktion. Utopai plant, KI-gestützte Produktionswerkzeuge einzusetzen, um diese Einschränkungen hinsichtlich Umfang und Kosten zu überwinden und so neue Produktionsbedingungen für diese Geschichte zu schaffen, die es lange nicht auf die große Leinwand geschafft hat.
Unter der Regie von Paul Mignot und produziert von Marco Weber wurde der Film in Paris produziert, aber in Spanien gedreht. Der geplante Kinostart ist für 2027 vorgesehen. Die über dreißigjährige kontinuierliche Arbeit des Drehbuchautors, kombiniert mit Utopais Investitionen in Produktionstechnologie, deutet immer mehr auf dasselbe Ergebnis hin: die Geschichte in einen Film zu verwandeln, den das Publikum tatsächlich sehen kann.
Die Kooperationen von Utopai in Asien sind ebenfalls auf spezifische Bedürfnisse zugeschnitten, wobei die geeigneten Technologien auf der Grundlage der narrativen Anforderungen der Werke ausgewählt werden.
Utopai entwickelte und vertrieb die Anime-Serie „Die Reise nach Westen: Die verlorenen 500 Jahre“ gemeinsam mit Huace Media und nutzte PAI für Entwicklung und Produktion; die Zusammenarbeit mit dem japanischen Unternehmen DeNA umfasste visuelle Konzepte, Charaktere, Umgebungen und Szeneniterationen, wobei die kreativen Überprüfungsrechte weiterhin bei den Künstlern von DeNA lagen.
Die koreanischen Aktivitäten basieren auf dem Kreativteam von Alquimista Media, und die Leiterin für den asiatisch-pazifischen Raum, Hyun Park, verfügt über Erfahrung bei Studio Dragon, Warner Bros. Korea und DramaFever.
KI kann Kreativen helfen, visuelle Elemente schneller zu testen, aber die Auswahl der Charaktere, des kulturellen Kontextes und der narrativen Elemente muss weiterhin von Personen überwacht werden, die mit dem Werk vertraut sind.
Von Hollywood-Animationsfilmen bis hin zu klassischen chinesischen Marken – diese Kooperationen erzählen nicht nur die Geschichte, wie KI die Film- und Fernsehbranche revolutioniert. Es geht vielmehr darum, Produktionstechniken an lokale Ästhetik und Erzählweisen anzupassen, lokale Kreativität mit internationaler Produktions- und Vertriebserfahrung zu verbinden und vorhandene Ressourcen für die Expansion ins Ausland zu nutzen.
Dies könnte ein gesünderes Kooperationsmodell zwischen der KI- und der Filmindustrie darstellen, und auch die Vertriebsmethoden für solche Werke verändern sich.
„Space Nation“, eine Koproduktion mit Partnern wie Ex Machina Studios, ist eine geplante, achtteilige Science-Fiction-Serie, die den Kampf der Menschheit gegen eine außerirdische Bedrohung thematisiert. Für PAI gehen die Anforderungen an eine Serie weit über die bloße Produktion einiger Weltraumszenen hinaus; Charaktere, Umgebungen, visueller Stil und erzählerische Kohärenz müssen über die gesamte Staffel hinweg konsistent bleiben.
Von der Weltgestaltung und Charakterentwicklung über die visuelle Gestaltung verschiedener Umgebungen bis hin zur Wahrung der Kohärenz über mehrere Episoden hinweg – langjährige Science-Fiction-Werke stellen immer wieder auf die Probe, ob Produktionswerkzeuge in komplexen Projekten konsistent eingesetzt werden können. Eine langfristige IP-Serie muss zudem ermöglichen, dass nachfolgende Geschichten auf bestehenden Settings aufbauen können, sodass nicht die gesamte Welt für jede Produktion neu erschaffen werden muss.
Space Nation war auch die erste KI-Serie, die mit traditionellen Urheberrechtskäufern eine Partnerschaft einging. Käufer wie Globoplay in Brasilien und ein deutscher Fernsehsender erwarben die Vertriebsrechte zu Marktpreisen für Nicht-KI-Inhalte.
Laut Forbes könnten die kombinierten Vorverkaufseinnahmen für Space Nation und Cortés, vorausgesetzt die Endprodukte werden termingerecht geliefert, bis zu 110 Millionen Dollar erreichen.
Hinter den Urheberrechtstransaktionen verbirgt sich ein weitaus komplexerer Verlauf der beiden Projekte, als man sich vorstellen mag.
Erste Meldungen zu „Cortés“ und „Space Nation“ tauchten bereits 2025 auf, doch erst jetzt rücken die geplanten Veröffentlichungen im Jahr 2027 näher. Grund für diese lange Verzögerung ist die aktuelle Situation in Hollywood, wo die Grenzen des KI-Einsatzes besonders sensibel betrachtet werden.
Laut Forbes plant Cortés, Realfilmaufnahmen mit digitalen Umgebungen zu kombinieren, indem er die Darbietungen der Schauspieler filmt und sie anschließend in digitale Szenen einfügt. Solche Projekte benötigen deutlich weniger Personal als herkömmliche Produktionen vergleichbarer Größenordnung. Für Produzenten ermöglicht dies die Realisierung aufwendiger Projekte; für Branchenprofis bedeuten dieselben Zahlen auch potenzielle Jobchancen.
Die Kontroverse hat somit ein konkretes Ziel. Inwieweit das Bild eines Schauspielers nach den Dreharbeiten verändert werden darf, ob es in anderen Aufnahmen oder gar späteren Werken verwendet werden darf und wie Lizenzierung und Vergütung berechnet werden – all dies steht in direktem Zusammenhang mit der Frage, ob diese Produktionsmethode akzeptabel ist.
Nach dem Streik von 2023 hat die von SAG-AFTRA erzielte Vereinbarung Bestimmungen zur informierten Einwilligung und Vergütung für digitale Stuntdoubles festgelegt und schützt damit sowohl Hauptdarsteller als auch Statisten. Produktionsfirmen dürfen einen einzelnen Dreh nicht als Lizenz zur uneingeschränkten Nutzung des Bildes eines Schauspielers auslegen.
Auch Drehbuchautoren haben klare Grenzen gesichert. Die Vereinbarung der Writers Guild of America (WGA) aus dem Jahr 2023 legt fest, dass Produktionsfirmen Drehbuchautoren weder zur Nutzung von KI zwingen noch KI-generiertes Material verwenden dürfen, um die Nennung und die damit verbundenen Rechte der Drehbuchautoren zu schmälern. Studios, die KI umfassend in die Produktion integrieren, müssen daher sicherstellen, dass die Entscheidungsgewalt menschlicher Kreativer bei der Drehbuchentwicklung, der Materialnutzung und den Vertragsgestaltungen gewahrt bleibt.
Als Reaktion auf Bedenken aus der Branche betonte Cecilia Shen in einem Forbes-Interview, dass Utopai urheberrechtsfreie Trainingsdaten verwendet, zur Zusammenarbeit mit Branchenverbänden bereit ist und kreative Entscheidungen in menschlicher Hand belässt. Dies sind die öffentlichen Stellungnahmen von Utopai, und es kann nicht davon ausgegangen werden, dass alle Differenzen zwischen den beiden Parteien beigelegt wurden.
Variety enthüllte 2026 in einem gemeinsamen Artikel, dass *Space Nation* in Produktion gegangen war und gemäß den Richtlinien der Hollywood-Gewerkschaft realisiert werden sollte. Von der Projektveröffentlichung bis zur Planung des Kinostarts zeigt sich Utopais Beharrlichkeit auch in der Bereitschaft, neben der Technologie auch Zeit in Verhandlungen und die Produktion zu investieren. Jeder Fortschritt bedeutet einen neuen Durchbruch im Umgang mit kreativen, budgetären, produktionstechnischen und branchenspezifischen Anforderungen.
Darüber hinaus ist Utopai das erste KI-Filmstudio, das der Writers Guild of Hollywood und der Screen Actors Guild beigetreten ist und damit offizielle Anerkennung in der traditionellen Filmbranche erlangt hat. Filmfestivals, professionelle Kreative, Branchenregeln und Urheberrechtstransaktionen haben Utopai schrittweise in den Mainstream der Branche geführt, und die Bezeichnung „KI-basiertes Filmstudio“ steht mittlerweile für tatsächliche Produktion und Vertrieb.
Neue Werkzeuge verdrängen selten alte Kunstformen, aber sie verändern die Grenzen des Geschichtenerzählens. So wie die Malerei nach dem Aufkommen der Fotografie nicht verschwand, sondern Malern vielmehr neue Möglichkeiten bot, Dinge zu erforschen, die die Linse nicht erfassen konnte, entwickelte sich die Fotografie allmählich zu einer neuen künstlerischen Sprache.
KI-Video beschreitet derzeit diesen bekannten Weg. Auch Utopai hat sich etabliert und die Modellentwicklung in die Aufgaben der Film- und Fernsehproduktion integriert. Die wahre Bewährungsprobe für dieses Modell und die Plattform wird darin bestehen, ob die Werke das Publikum fesseln können und ob weitere Geschichten, die bisher aus Budgetgründen nicht realisiert werden konnten, umgesetzt werden können.
Das Kinoerlebnis lässt sich nicht allein an Elo-Wertungen messen. Erst wenn mehr Geschichten, die bisher aus Produktionsgründen auf Eis gelegt wurden, realisiert und auf der großen Leinwand gezeigt werden können und das Publikum bereit ist, bis zum Abspann sitzen zu bleiben, kann KI den Sprung von Demovideos in Kinofilme schaffen.