Was sind die 12 Animationsprinzipien von Disney?

Das Goldene Zeitalter der Animation brachte uns eine Fundgrube an geschätzten Klassikern, viele davon aus den Händen von Disneys Nine Old Men.

Wie hat dieses Künstlerkollektiv eine ganze Branche revolutioniert? Viele werden Ihnen sagen, dass alles mit einer Maus begann, aber wir wissen es besser. Ihr wahres Geheimnis war ein kreatives Manifest, das die 12 Zutaten umreißt, die eine großartige Animation ausmachen.

Diese 12 zeitlosen Prinzipien sind heute genauso aktuell wie zur Zeit ihrer Konzeption.

1. Squash und Stretch

Animatoren haben keine andere Möglichkeit, die physischen Eigenschaften einer Figur oder eines Objekts zu vermitteln, als durch visuelle Hinweise auf dem Bildschirm. Viele Animatoren werden Ihnen sagen, dass gute Animationen weniger mit dem Design und den Manierismen Ihrer Charaktere zu tun haben, sondern mehr damit, wie reaktiv ihre Persönlichkeiten und ihr Aussehen auf das sind, was um sie herum passiert.

Squash und Stretch knüpfen an die Tendenz der Animation an, die Realität zu "cartoonisieren". Die "natürliche" Bewegung des Balls, der vom Boden abprallt, wird durch die "Überreaktion" des Balls auf die Barriere übertrieben.

2. Vorfreude

Sie animieren eine Szene, die in einem öffentlichen Schwimmbad spielt. Ihr Protagonist, ein sanftmütiger Mittelschüler, steht kurz davor, zum ersten Mal vom High-Dive zu springen. Die Chancen stehen gut, dass dieses schüchterne Kind nicht einfach ein Bad nehmen wird, ohne sich zuerst emotional vorzubereiten. All diese vorausschauenden Überlegungen verleihen Ihrer Welt einen deutlichen Reichtum.

Ihre Charaktere sind jetzt plötzlich viel mehr als generische Automaten, die die Szene bevölkern. Sie wissen Dinge. Sie fühlen Dinge. Sie vermeiden Schmerzen und neigen zu dem, was sie erfreut.

Dieses Prinzip hat in vielerlei Hinsicht viel mehr mit der Fähigkeit des Animators als Geschichtenerzähler zu tun als mit allem anderen. Der Schlüssel zur Vorfreude liegt wirklich darin, wie die Handlung geschrieben ist.

3. Inszenierung

Mise-en-scène ist ein Begriff aus der Welt des Live-Action-Films. Es bezieht sich auf die Orchestrierung von Bildschirmelementen und die Art und Weise, wie der Autor diesen Raum nutzt, um seinen Standpunkt zu vermitteln. Die gleiche Überlegung geht hier spirituell weiter.

Durch die gezielte Gestaltung der Geografie des Rahmens können Sie das Auge des Betrachters lenken und seine Aufmerksamkeit genau dort lenken, wo Sie es möchten. Alles muss klar, bewusst und auf eine Weise ausgedrückt werden, die sie für später behalten können.

4. Pose zu Pose vs. Geradeaus-Animation

Die Wahl zwischen Geradeaus und Pose-zu-Pose-Animation ist eine der ersten technischen Entscheidungen, die Sie treffen müssen, bevor Sie beginnen, die Dinge herauszufinden. Diese Dichotomie repräsentiert zwei verschiedene Denkrichtungen.

Entweder legt der Künstler seinen Kurs im Voraus fest, Ziel für Ziel, oder er beginnt ganz von vorne, um die Handlung zu erkunden, die er hemmungslos zu Papier bringen möchte.

Pose-zu-Pose-Animation

Angenommen, Sie animieren zum Beispiel eine Frau, die Wäsche an einer Wäscheleine aufhängt. In Wirklichkeit gibt es keine sauberen und ordentlichen Umrisse, die diese Sequenz in Portionen aufteilen.

Ein Animator, der einen Pose-zu-Pose-Ansatz anwendet, kann mit einem Bild der Frau beginnen, die sich hinkniet, um ein Hemd aufzuheben. Die nächste Pose könnte sein, dass sie mit dem Hemd vor sich steht.

Posen werden hinzugefügt, bis die Wäsche erledigt ist und sie sich für den Nachmittag zurückgezogen hat. Sie haben nur fünf oder sechs Frames gezeichnet, aber die Szene wurde bereits zum Teil erstellt.

Die Pose-zu-Pose-Animation ist eine großartige Möglichkeit, wenn Sie jemand sind, der gerne weiß, was vor Ihnen liegt, bevor er loslegt. Diese ersten Frames werden als Keyframes bezeichnet. Traditionell wurden diese Frames von den erfahrensten Mitgliedern eines Animationsteams gezeichnet.

Nachdem die gesamte Produktion geplant war, füllten Junior-Assistenten die Lücken zwischen den einzelnen Keyframes aus, um diese Orientierungspunkte mit Aktionen zu verknüpfen.

Geradeaus-Animation

Wenn Sie Ihren Charakter geradeaus von Punkt A nach Punkt B bringen, erhalten Sie manchmal neue, unerwartete Ideen. Während du zeichnest, können kreative Funken Action neu beleben, die sich vielleicht wie eingemacht oder mechanisch anfühlt, wenn sie Pose zu Pose gezeichnet wird.

Es steht Ihnen frei zu improvisieren und ein oder zwei neue Wendungen zu nehmen, während Sie fortschreiten; Sie müssen sich keine Sorgen machen, dass Sie 20 oder 30 Frames auf der ganzen Linie etwas Bestimmtes treffen. Wenn Sie zu Musik animieren, können Sie jeden Frame markieren, auf den der Beat des Songs fällt, um die Animation zu koordinieren und ihr eine rhythmische Struktur zu geben.

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5. Überlappende Aktionen und Folgeaktionen durch

Wenn sich Menschen natürlich bewegen, sind das Gewicht ihrer Gliedmaßen und wie locker sie mit dem Rumpf verbunden sind, leicht zu erkennen. Die Nachahmung dieses Effekts hat weniger damit zu tun, eine Aktion zu erzeugen, sondern mehr mit der Art und Weise, wie Ihr Motiv nach der Aktion physisch reagiert.

Ohne diese zusätzlichen Verzierungen können die Objekte oder Charaktere, die Sie zeichnen, starr und leblos erscheinen. Wenn das Haar einer schönen Frau heller als Luft ist, sollte es um sie herum schweben, anstatt wie nasse Spaghetti zu hängen. Oder noch schlimmer: Sie bewegt sich überhaupt nicht, während sie elegant durch den Raum huscht.

6. Timing

Wenn Sie als Geschichtenerzähler ein Gefühl für ein effektives Timing entwickeln, wird Ihre Arbeit nicht nur besser aussehen und sich besser anfühlen – es wird Ihre Geschichte stimmiger, wirkungsvoller und für Ihr Publikum wahrscheinlich viel leichter verdaulich machen.

Diese Kategorie kann weit ausgelegt werden. Die physikalischen Eigenschaften jedes Bildschirmelements sollten durch das Timing seiner Bewegung gekennzeichnet sein.

Es ist auch wichtig zu berücksichtigen, wie gut Ihr Sinn für dramatisches oder komödiantisches Timing ist. Sie können Ihrem Publikum nicht mehr geben, als es auf einmal durchkauen kann. Umgekehrt möchten Sie auch vermeiden, sie mit einem glanzlosen Rahmen oder toter Luft in die Unterwerfung zu langweilen. Balance ist der Schlüssel. Binden Sie sie ein, ohne sie zu überfordern oder zu verwirren.

7. Lichtbogenbildung

Stellen Sie sich ein Kind vor, das einen Ball direkt in die Luft wirft. Wenn der Ball wieder nach unten fällt, fällt er entsprechend der Richtung, in die er geworfen wurde, nach vorne.

Nachdem der Ball gelandet ist, wird beim Zurücktreten und Verfolgen seiner Bahn durch die Luft eine auf dem Kopf stehende Kurve sichtbar. Schwerkraftgebundene Objekte bewegen sich in solchen Bögen immer dann, wenn ihre Bewegung die Naturgesetze in Frage stellt. Wenn Sie diese Tendenz im Hinterkopf behalten, können Sie Bewegungsmuster planen, die sich verkaufen.

8. Sekundäre Aktion

Das Lexikon des Animators ist gespickt mit subtilen unbewussten Hinweisen. Wenn Sie in einem Live-Action-Kontext drehen, schwingt das Kleid Ihrer Hauptdarstellerin um ihre Waden, wenn sie sich bewegt. Diese sekundäre Aktion ist für den Betrachter spannend. Es hält die Dinge in Bewegung.

Sekundäraktionen können auch emotionale Signale beinhalten. Dein Charakter spielt mit seinen Daumen, während er versucht, einem Freund eine ungewöhnliche Situation zu erklären. Sie fühlen, während sie sprechen; jede sekundäre Aktion sollte ein Indikator für den inneren Zustand des Charakters sein.

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9. Langsam rein und langsam raus

Dieses Prinzip bezieht sich auf die historische Tendenz von Animatoren, ihre Arbeit um jeden vorgezeichneten Keyframe zu "sammeln", wenn sie einen solchen Ansatz verwenden. Im Wesentlichen werden um diese Keyframes mehr Frames gezeichnet als dazwischen, was zwei Dinge für das Publikum bewirkt.

Erstens hebt es jeden Keyframe visuell hervor, da mehr Zeit für den Übergang in und aus diesen Key-Posen aufgewendet wird als für den Übergang zwischen ihnen. Zweitens reduziert es die Zeit, die das Publikum zwischen diesen viel erzählerisch bedeutsameren Momenten warten muss.

Was die Leute wirklich sehen wollen, sind all die seltsamen Dinge, die diese kurzen Pausen unterstreichen, die sie damit verbringen, von Szene zu Szene zu reisen.

10. Solide Zeichnung

Für die Avantgarde unter uns wird das schwer zu hören sein, aber Ihre technischen Fähigkeiten als Künstler werden eine wichtige Rolle dabei spielen, wie effektiv Sie Action auf der Leinwand vermitteln können.

Die Verbesserung der Perspektive, der Verkürzung und sogar der Prinzipien der grundlegenden Geometrie halten jeden Diegetic-Körper felsenfest und völlig konsistent von Frame zu Frame (wenn Ihre Charaktere natürlich nicht zu sehr damit beschäftigt sind, zu quetschen und zu dehnen).

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11. Übertreibung

Warum mögen die Leute Cartoons? Was macht das Medium für manche Arten von Geschichten besser geeignet als beispielsweise Live-Action oder gar eine Bühnenperformance?

Wir wenden uns der Welt der Animation zu, wenn unsere Vision über das hinausgeht, was physisch möglich ist. Wenn wir alles in der Szene von Grund auf zeichnen müssen, haben wir am Ende viel Autorität darüber, wie alles aussieht, sich anfühlt und sich abspielt.

12. Einspruch

Als eingefleischte Anhänger der Andrew Loomis School of Thought glauben wir wirklich, dass dieser Teil von Ihnen stammt. Ihr Können, Ihre persönliche Erfahrung und Ihre Leidenschaften im Leben werden alle eine entscheidende Rolle dabei spielen, wie das Brot sozusagen aus dem Ofen kommt.

Einspruch kann schwer zu quantifizieren sein; Einige behaupten, dass man das nicht planen kann. Die meisten von uns werfen sich einfach an die Wand, bis etwas kleben bleibt; es ist keine Schande dabei.

Ihre Kunst wird Sie überraschen und begeistern, nachdem Sie einige Zeit gezeichnet haben. Alles, was Sie tun müssen, ist es zu versuchen.

Animation für Anfänger: Wohin gehen wir von hier aus?

Sie sagen, dass jeder Künstler 10.000 schreckliche Zeichnungen erstellt, bevor er wirklich seine beste Arbeit macht. Unsere Philosophie: Je früher Sie anfangen, desto besser sind Sie am Ende.

Die 12 vorhergehenden Punkte sind alle ein großartiger Ausgangspunkt für einen Anfänger. Der einzige Weg, ein wirklich großer Künstler zu werden, besteht jedoch darin, jeden Tag ernsthaft und von ganzem Herzen zu üben.

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